Роспись как называется


Гжель, городецкая, хохломская, жостовская, мезенская роспись, лаковая миниатюра в Федоскино и Палехе.

Всегда ли гжельская посуда была сине-белой, какая традиционная роспись родилась после Октябрьской революции и почему расписные шкатулки светятся? Разбираемся в секретах народных художественных промыслов.

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Родиной хохломской росписи стала Нижегородская губерния. Считается, что первыми украшать деревянную посуду стали старообрядцы-иконописцы в середине XVII века. Изделия продавали в деревне Хохлома — отсюда и название народного промысла.

Мастер начинал работу с битья баклуш — готовил деревянные бруски (баклуши) из липы, осины или березы. Из них вытачивали деревянные ложки и ковши, чашки и солонки. Еще не украшенную росписью посуду называли бельем. Белье несколько раз грунтовали и просушивали, а потом расписывали в желтых, красных и черных тонах. Популярными мотивами были растительные орнаменты, цветы, ягоды, кружевные веточки. Лесные птицы на хохломской посуде напоминали крестьянам Жар-птицу из русских сказок, они говорили: «Пролетала Жар-птица мимо дома и задела крылом чашу, и стала чаша золотой».

После нанесения рисунка изделия два-три раза покрывали олифой, втирали в поверхность оловянный или алюминиевый порошок и сушили в печи. После закалки жаром они приобретали медовый оттенок и действительно сияли, словно золотые.

В начале XVIII века посуду стали привозить на Макарьевскую ярмарку, куда съезжались продавцы и покупатели со всей России. Хохломские изделия оказались известны всей стране. С XIX века, когда на нижегородскую ярмарку начали съезжаться гости со всей Европы и Азии, расписная посуда появилась во многих уголках мира. Русские купцы продавали изделия в Индии и Турции.

Снежный фон и синие узоры. Гжель

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: rusnardom.ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: gzhel-spb.ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: Сергей Лаврентьев / Фотобанк Лори

Гжельская глина известна со времен Ивана Калиты — с XIV века. Местные мастера создавали из нее «сосуды для аптекарских нужд», посуду и детские игрушки. В начале XIX века в Гжельской волости появились заводы, на которых изготавливали фарфор. Первое предприятие здесь основал в 1810 году купец Павел Куличков. Сначала роспись по фарфоровой посуде была цветной, но в середине XIX века в Россию пришла мода на бело-голубые голландские изразцы и китайский фарфор тех же оттенков. Вскоре синие узоры на снежном фоне стали отличительной чертой гжельской росписи.

Чтобы проверить качество фарфора, перед росписью изделие окунали в фуксин — красную анилиновую краску. Фарфор окрашивался в ровный розовый цвет, и на нем была заметна любая трещинка. Мастера рисовали кобальтовой краской — до обжига она выглядит черной. С помощью особых техник, работая только кистью и краской, художники создавали более 20 оттенков синего цвета.

Гжельские сюжеты — это пышные розы (их здесь называли «агашками»), зимние пейзажи, сцены из народных сказок. Дети катаются на санках, Емеля ловит щуку в пруду, деревенские жители празднуют Масленицу... После нанесения рисунка посуду покрывали глазурью и обжигали. Розовые изделия с черными узорами приобретали свой традиционный вид.

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

История Федоскинской лаковой миниатюры берет начало в XVIII веке. Купец Петр Коробов в 1795 году основал в подмосковной деревне Данилково (рядом с селом Федоскино) фабрику. Здесь из папье-маше изготавливали козырьки для военных фуражек. Когда в страну пришла европейская мода на табакерки, на фабрике стали выпускать табакерки и шкатулки.

Вскоре ассортимент расширился — появились пудреницы, броши и коробочки для чая. Сначала их украшали печатными рисунками-гравюрами, а позже стали расписывать масляными красками и покрывать лаком. Художники во время работы добавляли в краски металлический порошок — так цвета становились «светящимися». Традиционными мотивами федоскинской миниатюры стали русская тройка, пейзажи, сказочные сюжеты и сцены из народной жизни: гулянья, пляски и чаепития.

На изящные миниатюрные изделия давали гарантию в 100 лет: при высушивании папье-маше становилось тверже дерева, а сияющие краски не тускнели годами. Секрет заключался в том, что лак для миниатюр выдерживали на солнце. Этим «прокаленным» составом мастер покрывал каждое изделие до 30 раз.

Читайте также:

Три мира узоров. Мезенская роспись

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: patlah.ru

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: open-collection.com

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: patlah.ru

Мезенская роспись появилась в XIX веке в низовьях реки Мезень Архангельской губернии. Самое древнее изделие с мезенскими узорами — расписная прялка — относится к 1815 году. Местные жители украшали сундуки, туеса (круглые берестяные короба) и посуду — ковши, чаши, бочонки и тарелки. К началу ХХ века центром мезенской росписи по дереву стала деревня Палащелье.

Подготовленную посуду мезенские мастера расписывали охрой по чистому негрунтованному дереву с помощью особой деревянной палочки — тиски. Пером глухаря или тетерева делали черную обводку, а потом уже наносили красные и черные узоры кисточкой. Мастер делил рисунок на три части: небо, землю и подземный мир. Их границы он обозначал прямой линией, узоры располагал в строгом порядке. Главными элементами росписи были животные и птицы: конь, олень и утка. Обрамляли рисунки геометрические орнаменты из прямоугольников и ромбов, дисков и решеток.

Мезенской росписью по традиции занимались только мужчины, навыки мастера передавали по наследству. Сначала начинающему художнику рассказывали о символах и их сочетаниях в узоре, учили размечать изделие и наносить контуры. Прежде чем рисовать орнаменты, будущие умельцы долго тренировались — писали палочки и линии.

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись. Фотография: art.mirtesen.ru

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись. Фотография: art.mirtesen.ru

Роспись по металлу зародилась в подмосковной деревне Жостово. В 1825 году Филипп Вишняков открыл первую «лакерную мастерскую». В ней изготавливали и расписывали табакерки, шкатулки и подносы из папье-маше. Осип Вишняков продолжил отцовское дело, но папье-маше заменил металлическими изделиями. В 1830-е в деревне появились новые фабрики декоративной росписи, на которых художники украшали подносы букетами цветов. Нарядные изделия быстро обрели популярность.

Главным мотивом жостовской росписи стал цветочный букет на черном фоне. Традиционно мастера выполняли четыре вида рисунков: «Букет собранный», «Букет враскидку», «Венок» и «Ветка с угла». В центре изделия художники обычно располагали яркие крупные растения. Тень и мелкие цветы по краям рисунка создавали иллюзию объема. Чтобы рисунок светился изнутри, мастера добавляли в краски металлический порошок, сусальное золото или делали вставки из перламутра.

«Здесь живут подносами, ими мыслят и только о них рассуждают», — говорили о Жостово. Все в деревне напоминает о народном промысле: даже вместо адресных табличек используют расписные подносы с номерами домов. Так же мастера изготовили и указатели к деревне.

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Городецкая роспись известна со второй половины XIX века. В 1870 году на Поволжье, в деревню Курцево Городецкой волости, приехал иконописец Николай Огуречников. Он научил местных ремесленников изготавливать краски и оживлять рисунок штрихами белого цвета. Сначала художники расписывали донца — плоские дощечки, на которых сидели домашние хозяйки, когда пряли шерсть и лен. Украшенное резьбой и цветным рисунком донце служило и как украшение интерьера.

Городецкая роспись отличалась контрастными яркими цветами. Художники изображали вороных коней с длинными шеями и тонкими ногами, петухов с гордо поднятой головой и пышным хвостом, рисовали сценки из купеческой жизни — семейные чаепития, прогулки барышень с кавалерами. Обязательный элемент расписного городецкого изделия — объемные букеты и венки из розанов, ромашек, купавок.

Цветными рисунками украшали ложки и шкатулки, ларцы и хлебницы, мебель и ставни. Также умельцы изготавливали из деревянной щепы и расписывали детские игрушки: куколок, лошадки-качалки и даже миниатюрные наборы для маленьких хозяюшек — прялки, веретенца, утюжки. Особо популярен был конь-каталка. В расписные саночки впрягали деревянных лошадей, в повозку усаживали кучера. Игрушечных дел мастера не использовали в работе ни клей, ни гвозди: с ювелирной точностью они подгоняли детали, которых иногда было более тридцати. «Чтоб изготовить каталку, надо с бесами знаться», — говорили в Городце.

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: palekh.su

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: lacquerbox.ru

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: kanon-tradition.ru

История палехской лаковой миниатюры начинается в XVIII столетии. В те годы ху

О видах русской росписи, и обо всем на свете)

Просматривала сегодня гобелены с цветочными рисунками на черном фоне и задалась вопросом, а на какую русскую роспись они похожи? Подозревала, что на жостовскую. Хотя подозревала интуитивно, т.к. никогда особо не вникала в то, какие виды русских росписей выделяют, и чем они отличаются друг от друга. Да, конечно, Гжель, Хохлома, Палех - на слуху, но все же...

Посмотрев соответствующий материал, получила порцию положительных эмоций с утра, потому что любая русская роспись - такая милая, сочная, эффектная, такая самобытная, что невольно на душе становится приятно-преприятно. И росписи действительно значительно отличаются друг от друга. Вникнув один раз, потом уже трудно будет перепутать виды росписи между собой.

Вот такая замечательная картинка, демонтрирует большинство видов русской росписи на одной схеме

И несмотря на то, что изначально меня интересовала роспись на черном фоне, которая все таки оказалась жостовской, мне так понравились все виды русских росписей, что я поделюсь найденными моментами по самым распространенным и известным из них.

Мезенская роспись по дереву

Мезенская роспись одна из наиболее древних русских художественных промыслов. Её истоки теряются в отдалённых веках первоначального формирования славянских племён.

Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Среди орнаментов — фризы со стилизованными схематичными изображениями коней и оленей, которые начинаются и обрываются на границах предмета. Выполненные чёрной и красной красками, фигурки животных словно возникают из геометрического орнамента. Все изображения очень статичны и лишь благодаря многократному повтору возникает ощущение динамики.

Готовое изделие расписывали по чистому негрунтованному дереву сначала охрой с помощью измочаленной на конце деревянной палочки (тиской), потом пером глухаря или тетерева делали чёрную обводку и кисточкой, сделанной из человеческого волоса наносили узор.

Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

Помню, как-то из путешествия по стране я привозила подруге настенные тарелки из Чебоксар, как раз расписанные вот в таком стиле - с конями, птицами.

Они уже много лет висят в ее коллекции настенных тарелок. теперь я знаю, что это была мезенская роспись.

А вот небольшое доказательство того, что я добаралсь до Чебоксар)

А еще в Чебоксарах производят самые вкусные и оригинальные в стране шоколадные конфеты - фабрики АККОНД. Я их поклонница. Я знаю эти конфеты, потому Магнит в нашем городе уже много лет в своем аасортименте имеет конфеты фабрики Акконд, правда всего 2-3 вида в наличии - обычно что-то из - Ломтишки, Отломики, Чоко-Пики, Тортимилка, Добрянка, Рулада. Но даже и 2-3 вида, имеющиеся в наличии, произвели на меня сильное впечатление. А когда я попала в фирменный магазин фабрики в Чебоксарах, и увидела, какое количество конфет и с каими начинками они там производят, я реально поняла, что "счастье есть".

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери.

Городецкий стиль отличается прежде всего содержательностью. В росписях основное впечатление дают жанровые сцены. Все эти изображения условны по характеру, очень вольны и декоративны по форме, а иногда граничат с шаржем. Это — быт крестьянства, купечества, пышный парад костюмов. Значительное место занимают цветочные мотивы — пышные «розаны», писанные широко и декоративно. Рядом с жанровыми реалистическими мотивами в городецких росписях живут и идеализированные, декоративные образы птиц и животных.

Встречаются экзотические львы и барсы. Особенно часто изображение горячего, сильного коня или петуха в гордой, воинственной позе. Чаще всего это парные изображения, геральдически обращенные друг к другу. Городецкие мастера росписи любят цветы. Они всюду разбросаны на поле росписей веселыми гирляндами и букетами. Там, где позволяет сюжет, мастера охотно пользуются мотивом пышного занавеса, подхваченного шнуром с кистями. Декоративность мотивов подчеркивается декоративностью цвета и приемов. Любимые фоны — ярко-зеленый или напряженный красный, глубокий синий, иногда черный, на котором особенно сочно расплескивается многоцветие Городецкого колорита.

Роспись ведется кистью, без предварительного рисунка, свободным и сочным ударом. Он очень разнообразен — от широкого мазка до тончайшей линии и виртуозного штриха. Работа мастера быстра и экономна. Поэтому она очень обобщена, проста по приемам, свободна в движении кисти.

Не припомню, чтобы я что-то приобретала из городецкой росписи, но в Городце была, о чем могу предоставить соответствующие доказательства)

Жостовская роспись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) - Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше.

Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. В прейскуранте Вишняковых значилось: "Заведение братьев Вишняковых лакированных металлических подносов, сухарниц, поддонов, из папье-маше шкатулок, портсигаров, чайниц, альбомов и проч.. существует с 1825 г.".

В 1830 г. производство подносов в окрестных селениях увеличилось. Появились первые металлические подносы, украшенные декоративной цветочной росписью. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие "бумажные" поделки из мастерских Троицкой волости. Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу постоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы. Основной мотив жостовской росписи - цветочный букет.

В самобытном искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщенностью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п.

Роспись производится обычно по чёрному фону (иногда по красному, синему, зелёному, серебряному) причем мастер работает сразу над несколькими подносами. Основной мотив росписи — цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы.

По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение. По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и др.

Ну жостовский поднос был или есть наверное в каждой постсоветской семье. И у нас он был с перестроечных времен, когда денег не было, и предприятия поставляли друг другу продукцию по бартеру. И на предприятие, где работала мама, как-то завезли жостовские подносы, которые выдавались вместо зарплаты.

И именно с жостовской росписью, у меня ассоциируются гобелены, с вытканными цветами и узорами на черном фоне. Хотя конечно среди них есть просто узоры и цветы, не имеющие к жостовской росписи никакого отношения, но все равно это красиво.

Гобелены с вытканными цветами на ферном фоне представлены во втором магазине гобеленов www.livemaster.ru/shaliii

Основные виды русской росписи: традиции народности, ритуальные обряды, национальная кухня, история формирования этноса


С давних времен человек привык украшать свой дом, предметы быта и для каждой страны характерно уникальное направление. Россия узнаваема во всем мире, благодаря матрешкам, самоварам, расписным подносам и прочему. Но много ли мы знаем о том, как формировались виды росписи? Какие техники использовались умельцами? Предлагаем окунуться в мир прекрасного и узнать, как русская народная роспись формировалась веками.

Основные виды промысла

Художественной росписью принято называть узоры, нанесенные краской с целью декорирования. И это можно назвать одним из самых старинных видов народного творчества. Первые найденные предметы с элементами росписи относятся к XVIII веку. Доподлинно известно, что расписывать узорами люди умели намного раньше, так как об этом упоминается в старинных летописях.

Игрушки, кухонная утварь, сундуки, сани, да и сама изба – все это лишь малая часть тех предметов, которые украшали народные умельцы. В старину люди были ограничены в путешествиях на дальние расстояния, техника нанесения узоров, состав красок и прочие секреты, которые мастер передавал своим ученикам, оставалась в одном отдельном регионе.

И узнавалась русская старинная роспись, характерная для этой местности, по уникальной манере рисования. Именно такая особенность дала имена всем известным на сегодня направлениям в русском народном творчестве.

В течение долгого времени у человека не было под рукой другого материала кроме дерева, поэтому роспись по дереву стало одним из самых обширных на Руси. Сегодня искусствоведы выделяют следующие школы старинной росписи:

  • мезенская;
  • хохлома;
  • гжельская;
  • жостовская;
  • федоскинская;
  • городецкая;
  • палех;
  • северодвинская;
  • прикамская.

Сегодня все эти виды и школы русской народной росписи существуют, так как есть мастера, которые сумели сохранить старинную манеру и технику. Их товар популярен, часто покупается в качестве подарка или как сувенир на память. А много ли мы знаем об истории, просто покупая красивую вещь?

Городецкая роспись по дереву

В деревнях, расположенных поблизости уездного города Городец Нижегородской губернии, мастерили прялочные донца – один из элементов ручной прялки. На нем сидели во время работы, а по ненадобности донце вешали на стену, поэтому мастера старались его всячески украсить. Знаете ли вы, что по старинному обычаю, сватаясь, жених должен был сломать донце своей невесты, чтобы потом смастерить ей новое.

Для городецкой росписи характерна трехярусная художественная композиция, где первый и нижний ярус занимают сюжетные мотивы, а середина разделена полосой в виде повторяющегося цветочного орнамента. Кони, всадники, барышни, собачки, птицы, деревья, охотники – это главные герои городецкой росписи. Кроме прялочных донец мастера расписывали детские стульчики и каталки.

Первая Мировая едва не поставила под угрозу городецкую роспись по дереву, как и другие виды, так как в живых практически не оставалось мастеров.

В городецкой росписи красным и желтым расписывается основной фон, а уже потом дорисовывают другими цветами узоры. Черным и белым прорабатывают мелкие детали, как бы «оживляя» картину. Для приготовления красок в старину использовали природные минералы, растираемые в порошок. В конце изделие покрывается лаком.

Вернуться к оглавлению 

Палехская роспись на шкатулках

Палехская школа возникла в одноименном поселке Ивановской области. Еще до революции это место настолько славилось своими иконописцами, что их приглашали работать художниками в Новодевичий монастырь, Троице-Сергиеву Лавру. С приходом советской власти религия и иконопись оказались под запретом, поэтому промысел стал угасать.

В начале XIX в. в России появилась мода на изделия из папье-маше. Палехские мастера основали ремесленную артель, которая занималась производством лаковой живописи на формах из папье-маше. Традиционными мотивами были узнаваемые сюжеты из народных сказок, творчества А.С. Пушкина, красивые пейзажи, цветочные мотивы. Это отличает палехскую школу от остальных.

Броши, серьги, коробочки, шкатулки, портсигары и прочие безделушки, выполненные в этой манере, были популярны тогда, но именно палехская шкатулка стала почти синонимом этого вида живописи. Заготовка вначале покрывается фоном – красным или черным лаком.

Кстати, известно ли вам, что по этой детали можно отличить оригинальное изделие от поддельного? У настоящих шкатулок слой лака настолько тонкий, что его практически не видно.

Благодаря особой манере письма создается эффект трехмерного изображения. Основные характеристики палехской живописи – тщательно прорисованные образы, сочность и насыщенность, отделка сусальным золотом.

Жостовская роспись на подносах

Не все виды росписи на Руси дошли до наших времен. Например, традиция расписывать подносы появилась на Урале, на заводах Демидовых, еще в XVIII в., но сама жостовская роспись возникла лишь спустя сто лет. Основоположниками этого вида принято считать бывших крепостных, братьев Вишняковых, которые открыли художественную мастерскую в деревне Жостово.

Свой товар они продавали в Москве. Братья занимались росписью шкатулок, портсигаров, альбомов, чайников, но именно расписные подносы стали визитной карточкой Жостова. Изготавливаются они следующим образом:

  1. Из стали делается заготовка.
  2. Все неровности шлифуются и поверхность грунтуется.
  3. Далее ее покрывают масляным лаком. Кстати, оригинальный рецепт всегда хранился в секрете, сегодня известно только, что делали его на основе африканской пальмовой смолы.
  4. Следующий этап – создание широкой кистью замалевка, общего фона будущей картины. Его наносят краской, разбавленной льняным маслом.
  5. В течение нескольких часов изделие обжигают в печи.
  6. Далее следует нанесение первичного объема. На профессиональном жаргоне – тенежка.
  7. На этапе прокладки орнаменту придают объем, прорисовываются детали.
  8. Следующий шаг называется бликовка, при помощи которого создается иллюзия освещенности.
  9. На этапе чертежки и привязки художник добавляет мелочи, чтобы объединить отдельные детали рисунка в одно целое.
  10. В самом конце художник оформляет бортики подноса и покрывает изделие бесцветным лаком.

Вернуться к оглавлению 

Вятская роспись по дереву

Возникший в Вятской губернии народный промысел, роспись по дереву сундуков, внес очередной вклад в развитие прикладного творчества. Простая и незамысловатая, как будто нарисованная детской рукой, однако за этим скрыт глубокий смысл.

Большинство узоров традиционной вятской росписи имеет символическое для славян значение. Так, круг — знак солнца и жизни, лев – храбрость, птицы – хорошие вести, а изображение Уткоконя (конь главного древнеславянского бога Солнца) наносилось в качестве талисмана.

В процессе росписи мастера использовали заячьи лапки и чеканы (деревянные палочки, на торцах которых были вырезаны разные узоры). Вначале сундук покрывали специальным клеем, который варили из овечьей кожи. Сразу наносили рисунок, а поверх него еще один слой клея.

Вятская роспись наносилась на двери, столбики, перегородки из дерева. Бывало, мастера расписывали сразу несколько сундуков, повторяя каждый раз узор. Они складывались один в один, по принципу русской матрешки.

Хохломская роспись

Самые известные виды росписи по дереву в России существуют многие столетия, причем за все это время техника рисования остается неизменной. Таковой является хохломская роспись на посуде из дерева, появившаяся в Нижегородской губернии.

Для русской хохломы характерна уникальная техника, благодаря которой посуда приобретает золотистый цвет. Изначально поверхность грунтуется и покрывается маслом. Далее втирается алюминиевый порошок, а после росписи красками на изделие наносят лак в несколько слоев, периодически закаливая посуду в печи.

Кстати, благодаря этому закаливанию как раз получается всем известная золоченая поверхность.

Для хохломской росписи более характерны цветы, ягоды рябины или земляники, но нередко можно встретить изображения птиц, животных и рыб. Основные цвета – красный, черный, золотой и изредка белый, зеленый. Существует два способа нанесения узоров: верховая и под фон.

В первом случае рисунок наносится красками, поверху обработанной порошком болванки. Роспись под фон означает нанесение контуров узора, после чего основной фон окрашивается черным.

Гжельская роспись

Свое имя этот вид росписи получил благодаря селу Гжель, на окраинах которого находились залежи гончарной глины. В этих краях почти все крестьяне были потомственными гончарами, большими знатоками своего ремесла. Изготавливали посуду, глиняные игрушки и статуэтки, изразцы для облицовки печей. В середине XVIII века удалось разработать формулу русского фарфора, основой которого стала гжельская гончарная глина.

Фарфоровые сервизы стали признаком статуса владельца, именно в это время начала формироваться школа гжельской росписи. В основном наносились цветочные сложные орнаменты, использовалась синяя, черная, золотая краски. Изделие покрывали эмалью, разрисовывали и закаливали в печи. В современной Росси удалось сохранить технологию изготовления гжельской росписи.

Вернуться к оглавлению 

Федоскинская лаковая миниатюра

В селе Федоскино и сегодня проживают народные мастера, работающие в этой технике. Начиналось все 200 лет назад, после того как там организовал производство лаковых табакерок из папье-маше купец Коробов. Вначале на крышки клеили гравюры, но после того как предприимчивый делец выписал из-за границы художников-минитюаристов, все изменилось.

Традиционными рисунками для федоскинскойминиатюры считаются сюжеты из крестьянской жизни, чаепития и русская тройка лошадей. На лакированную поверхность, перед расписыванием, наносится светоотражающий материал. Это называется «письмо по сквозному». В конце изделие покрывается бесцветным лаком.

Мезенская роспись

Хохлома, гжель и другие известные росписи появились позже мезенской, именно ее искусствоведы  считают самым первым известным видом народного прикладного творчества. Иногда называется палащельской. Родиной этой школы принято считать деревню Палащелье, рядом с рекой Мезень. Росписью в этом регионе занимались мужчины и передавали свои секреты от отца к сыну.

Основой росписи являются два цвета – кирпично-красный и черный. Из черточек, линий, ромбиков и других простых фигур складывали удивительной красоты орнаменты, но в старину все они имели тайный смысл. Раньше люди верили в магическую силу этих узоров.

Теперь вы знаете, какие были виды народного творчества на Руси и всегда сможете отличить хохломскую от жостовской росписи!

Вернуться к оглавлению 

Русские народные росписи: Мезенская, городецкая, жостовская, хохломская. - Искусство

Мезенская роспись по дереву или палащельская роспись — тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень.

Мезенская роспись одна из наиболее древних русских художественных промыслов. Её истоки теряются в отдалённых веках первоначального формирования славянских племён.

Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Среди орнаментов — фризы со стилизованными схематичными изображениями коней и оленей, которые начинаются и обрываются на границах предмета. Выполненные чёрной и красной красками, фигурки животных словно возникают из геометрического орнамента. Все изображения очень статичны и лишь благодаря многократному повтору возникает ощущение динамики. 

Изображения на обратной стороне прялки были менее насыщенны орнаментом, более вольны в сюжете. Здесь можно увидеть по-детскинаивно написанные жанровые сценки: охота, пароход, те же кони, только резвящиеся на воле. 

Готовое изделие расписывали по чистому негрунтованному дереву сначала охрой с помощью измочаленной на конце деревянной палочки (тиской), потом пером глухаря или тетерева делали чёрную обводку и кисточкой, сделанной из человеческого волоса наносили узор.

Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. 

Городецкая роспись держит свое начало от резных городецких прялок, имевших свою особенность: гребень и донце. Для украшения донец городецкие мастера пользовались своеобразной техникой — инкрустацией: фигуры вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее по форме углубление. Вставки, сделанные из темного мореного дуба, рельефно выделяются на светлой поверхности донца. Таким образом, располагая всего двумя оттенками дерева и несложным инструментом, народные умельцы превращали поверхность доски донца в настоящую картину.

Позже мастера для изобразительного богатства стали применять подкраску, яркое сочетание желтого цвета с темным дубом, добавление синего, зеленого, красного цветов делало донце еще более нарядным и красочным. 

Необходимость увеличить производство прядильных донец натолкнуло мастеров на мысль упростить технику декоративного оформления. Со второй половины XIX века сложная и трудоемкая техника инкрустации стала заменяться просто резьбой с подкраской, а с 1870-х годов на Городецких донцах преобладает живописная манера украшения.

В нижегородских росписях можно различить два типа — павловские и городецкие росписи, которыми украшали сундуки, дуги, сани, детскую мебель, донца для прялок и многие мелкие предметы обихода. Городецкий стиль отличается прежде всего содержательностью. В росписях основное впечатление дают жанровые сцены. Все эти изображения условны по характеру, очень вольны и декоративны по форме, а иногда граничат с шаржем. Это — быт крестьянства, купечества, пышный парад костюмов. Значительное место занимают цветочные мотивы — пышные «розаны», писанные широко и декоративно. Рядом с жанровыми реалистическими мотивами в городецких росписях живут и идеализированные, декоративные образы птиц и животных.

Встречаются экзотические львы и барсы. Особенно часто изображение горячего, сильного коня или петуха в гордой, воинственной позе. Чаще всего это парные изображения, геральдически обращенные друг к другу. Городецкие мастера росписи любят цветы. Они всюду разбросаны на поле росписей веселыми гирляндами и букетами. Там, где позволяет сюжет, мастера охотно пользуются мотивом пышного занавеса, подхваченного шнуром с кистями. Декоративность мотивов подчеркивается декоративностью цвета и приемов. Любимые фоны — ярко-зеленый или напряженный красный, глубокий синий, иногда черный, на котором особенно сочно расплескивается многоцветие Городецкого колорита.

Роспись ведется кистью, без предварительного рисунка, свободным и сочным ударом. Он очень разнообразен — от широкого мазка до тончайшей линии и виртуозного штриха. Работа мастера быстра и экономна. Поэтому она очень обобщена, проста по приемам, свободна в движении кисти. 

 

Жостовская роспись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) - Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше.

Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. В прейскуранте Вишняковых значилось: "Заведение братьев Вишняковых лакированных металлических подносов, сухарниц, поддонов, из папье-маше шкатулок, портсигаров, чайниц, альбомов и проч.. существует с 1825 г.".

В 1830 г. производство подносов в окрестных селениях увеличилось. Появились первые металлические подносы, украшенные декоративной цветочной росписью. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие "бумажные" поделки из мастерских Троицкой волости. Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу постоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы. Основной мотив жостовской росписи - цветочный букет.

В самобытном искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщенностью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п.

В 1922 г. в деревне Новосельцево возникла "Новосельцевская трудовая артель" по выпуску железных лакированных подносов; в 1924 г. в деревни организовались "Жостовская трудовая артель" и "Спецкустарь"; в 1925 г. - "Лакировщик" и одновременно в селе Троицкое - артель "Свой труд" по росписи подносов. Все они были объединены в 1928 г. в специализированную артель "Металлоподнос" в деревне.

 

1920 - 1930 - е годы были нелегкими в истории Жостово. Общие для советского искусства тенденции прямолинейного утверждения современности и реализма приводили к тому, что ведавшие народными промыслами организации пытались изменить традиционное направление их развития и внедряли в жостовскую живопись образцы орнаментальных и тематических композиций, созданные художниками - профессионалами без учета специфики местного искусства и несущие черты станковизма и натурализма. Ведущие художники понимали чужеродность подобных новаций самой сущности народного творчества, сумели противостоять им и направить новые идеи на углубление традиционного мастерства. В 1960 - е годы начался новый этап в истории Жостово, продолжающийся и поныне.

Художественная роспись подносов все больше обретала высокий авторитет и популярность не только массовыми изделиями, но и уникальными произведениями ведущих мастеров, все чаще привлекавшими внимание на многочисленных выставках в стране и за рубежом. За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали самостоятельными декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства.

Сегодня декоративная роспись находится на подъеме. Жостово подражают, пытаются подделываться под стиль и даже авторские манеры художников. 

Роспись производится обычно по чёрному фону (иногда по красному, синему, зелёному, серебряному) причем мастер работает сразу над несколькими подносами. Основной мотив росписи — цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы.

По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение. По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и др.

Хохлома — старинный русский народный промысел, родившийся в XVII веке в округе Нижнего Новгорода.

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и чёрным тонами по золотистому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристый оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкойдеревянной посуде эффект массивности.

Роспись выглядит ярко, хотя фон чёрный. Используются краски: красная, жёлтая, золотая, оранжевая, зелёная, голубая и чёрный фон. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Предполагают, что хохломская роспись возникла в XVII веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. Деревня Хохлома была крупным центром сбыта,куда свозили готовые изделия, оттуда и пошло название росписи. В настоящее время родиной хохломы считается поселок Ковернино в Нижегородской области.

На сегодняшний момент существует множество версий происхождения хохломской росписи. 

По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды «под золото» в лесном Заволжье и само рождение хохломского промысла приписывалось старообрядцам.

Еще в давние времена среди жителей местных деревень, надежно укрытых в глухомани лесов, было немало «утеклецов», то есть людей, спасавшихся от гонения за «старую веру».

Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было немало иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги с красочными заставками, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.

В свою очередь, местные мастера отменно владели токарным мастерством, передавали из поколения в поколение навыки изготовления посудных форм, искусство объемной резьбы. На рубеже XVII—XVIII столетий лесное Заволжье стало настоящей художественной сокровищницей. Искусство Хохломы унаследовало от заволжских мастеров «классические формы» токарной посуды, пластику резных форм ковшей, ложек, а от иконописцев — живописную культуру, мастерство «тонкой кисти». И, что не менее важно, секрет изготовления «золотой» посуды без применения золота.

В настоящее время у хохломской росписи два центра — город Семёнов, где находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семёновская роспись», и село Сёмино Ковернинского района, где работает предприятие «Хохломский художник», объединяющее мастеров деревень Ковернинского района: Сёмино, Кулигино, Новопокровское и др. (фабрика находится в д. Сёмино). В данный момент деятельность предприятия сведена практически к нулю. В д. Семино расположено также предприятие, занимающееся 19 лет выпуском деревянных шкатулок с хохломской росписью (ООО "Промысел").

Как создаются изделия с хохломской росписью? Сначала бьют баклуши, то есть делают грубые бруски-заготовки из дерева. Затем мастер встает за токарный станок, снимает резцом излишек древесины и постепенно придает заготовке нужную форму. Так получается основа — «бельё» (неокрашенные изделия) — резные ковши и ложки, поставцы и чашки.

После сушки «бельё» грунтуют жидкой очищенной глиной — вапой, как её называют мастера. После грунтовки изделие 7-8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла). Мастер окунает в миску с олифой специальный тампон, приготовленный из овечьей или телячьей кожи, вывернутой наизнанку, а затем быстро втирает в поверхность изделия, поворачивая его так, чтобы олифа распределялась равномерно. Эта операция очень ответственная. От неё будет в дальнейшем зависеть качество деревянной посуды, прочность росписи. В течение дня изделие покроют олифой 3-4 раза. Последний слой высушат до «небольшого отлипа» — когда олифа слегка прилипает к пальцу, уже не пачкая его.

 

Следующий этап — «лужение», то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его также вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск, и готовы для росписи. В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие — коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон. 

Выделяют роспись «верховую» (когда по закрашенному серебристому фону наносят рисунок (криуль — основная линия композиции, на нее «насаживают» такие элементы как осочки, капельки, усики, завитки т.д.) красным и черным цветом) и «под фон» (сначала намечается контурорнамента, а потом заполняется чёрной краской фон, рисунок листа или цветочка остается золотым). Кроме того, существуют разнообразные виды орнаментов:

  • «пряник» — обычно внутри чашки или блюда геометрическая фигура — квадрат или ромб — украшенная травкой, ягодами, цветами;
  • «травка» — узор из крупных и мелких травинок;
  • «кудрина» — листья и цветы в виде золотых завитков на красном или чёрном фоне.

Используют мастера и упрощённые орнаменты. Например, «крап», который наносят штампиком, вырезанным из пластинок гриба-дождевика, или особым образом свёрнутым кусочком ткани. Все изделия расписываются вручную, причём роспись нигде не повторяется. Какой бы выразительной ни была роспись, пока узор или фон остаются серебристыми, это ещё не настоящая «хохлома».

Расписанные изделия 4-5 раз покрывают специальным лаком и, наконец, закаливают в течение 3-4 часов в печи при температуре +150… +160 °C до образования масляно-лаковой плёнки золотистого цвета. Так получается знаменитая «золотая хохлома».

гжельская, городецкая, жостовская, хохломская. Художественная роспись

Еще с древних времен человек обращал внимание на красоту природы. Желание украсить свой примитивный быт и сделать его уютным привело к тому, что жилище стали украшать разными природными элементами. Это были шкура животного под ногами, рисунки на стене, цветные камни, сияющий метал и многое другое. Века спустя стали раскрашивать тарелки, ложки, миски. В каждой области появились свои виды росписи посуды.

Виды стилей

Мастерство украшать свои дома возникло почти одновременно с развитием культуры людей и имеет свои отличительные стороны, свойственные для отдельных областей:

  • хохломская роспись;
  • Городец;
  • Жостово;
  • Гжель.

Воображение наших предков не знало границ, но отличия в рисунках все-таки очевидны. Каждая область имеет своеобразный орнамент и почерк.

Возникновение хохломской росписи

Возле старых заволжских лесов подле реки Узолы расположены русские деревни – Хрящи, Кулигино, Семино, Новопокровское, Хохлома. Посуда, расписанная разными золочеными рисунками, берет свое начало именно отсюда.

К сожалению, точно установить начало появления хохломской росписи не удается. Ведь вся посуда изготавливалась из дерева, быстро изнашивалась, выбрасывалась либо кидалась в печь, как обычное полено.

До нашего времени дошли изделия XIX века. Но, судя по историческим бумагам, промысел возник в XVII веке.

Неповторимая техника хохломы - по золотой основе исполняется роспись черной краской и киноварью - встречается в древнерусском искусстве.

Особенности хохломской росписи

У мастеров есть свой секрет, как «озолотить» кухонную утварь. Нехитрый способ покрытия посуды золотом дожил до наших времен:

  • оловянным порошком тщательно натирали посуду;
  • покрывали олифой;
  • нагревали в печи;
  • под воздействием высокой температуры олифа желтела, сквозь нее просвечивалось олово, получался эффект золота.

Считается, что этот способ окрашивать посуду принадлежит старообрядцам. Раньше в глухих деревнях было много беглых людей, терпевших гонения за «старую веру». Среди них были мастера иконописцы и книжной миниатюры.

Узоры Хохломы

Недорогую посуду для обихода можно узнать сразу. Она исполнялась специальными штампами из гриба дождевика или фетрового кусочка ткани, узоры получались элементарными, но не теряли своей красоты. На таких изделиях видны многочисленные ромбики, спирали и листики.

Посуду подороже раскрашивали более искусно. Композиции создавались кистью от руки. Тут уже труда гораздо больше. Мастера вырисовывали:

Так создавались расписные ложки, тарелки, кружки и многое другое.

Главные цвета, характерные для хохломской росписи, – красный (киноварь) и черный (сажа). Но чтобы рисунок ожил и расцвел, на изделия добавляли коричневый, зеленый, голубой, оранжевый и желтый оттенки.

Виды росписи

Постепенно из предметов обихода изделия Хохломы стали сувенирными подарками или украшением, причем недешевым.

Существуют основные виды росписи посуды:

  1. «Верховая» – на серебристый фон накладывается основная композиция – криуль. Далее к ней добавляют красным и черным цветом капельки, усики, завитки.
  2. «Под фон» - вначале вырисовывается силуэт орнамента, а черной краской заполняется фон.

На посуде могут быть самые разные виды орнаментов:

  • «Травка» - упор делается на вырисовывании мелких и крупных травинок.
  • «Пряник» - внутри шедевра расположена нарисованная геометрическая фигура. Это может быть ромб, квадрат, круг. Его расписывают ягодами, цветами и травой.
  • «Кудрина» - на красную или черную основу наносится рисунок в виде золотых листиков и цветков на манер завиточков.

Хохлома - удивительное произведение искусства, несмотря на темные цвета, от нее исходит тепло и радость.

История жостовской росписи

Еще одним из известных видов росписи посуды является жостовская роспись. Славится она тем, что почти два столетия украшают одну вещь – это поднос. Деревня Жостово расположена в Мытищенском районе под Москвой.

В XVIII веке на Урале, где построены металлургические заводы Демидовых (Нижний Тагил, Верх-Нейвинск, Невьянск), возник промысел - металлические расписные подносы.

Рождение такого промысла под Москвой было вызвано некоторыми важными факторами:

  • Русским крепостным мастером Худояровым был открыт рецепт «хрустального» лака, он не трескался на меди, дереве и железе.
  • Начало производства в Санкт-Петербурге необычной формы подносов с интересными рисунками.
  • Открытие в Жостово в 1820-е годы мастерских Ф. Н. Вишнякова. Здесь выпускали лакированные расписные изделия из папье-маше: подносы, шкатулки, табакерки, коробочки, марочницы.

Изделия выполнялись в деревнях под Москвой – Троицком, Новосельцеве, Осташкове. Только в деревне Жостово мастерских насчитывалось 22. Предметы были очень красивыми. На них изображались пейзажи, зимние тройки коней, летние прогулки, чаепития за столом. Но, к сожалению, эти вещицы оказались хрупкими и непрактичными.

Появление жостовских железных подносов

Осип, сын Филипа Вишнякова, решил больше не изготавливать папье-маше, а взялся за производство железных подносов. Как раз возрастал спрос на подносы. Они использовались как для украшения интерьера, так и по прямому назначению. Жостовские подносы были замечены в питейных заведениях, знаменитых чайных домах Москвы, трактирах, гостиницах и купеческих домах. Коллекции испанских и британских королей могут похвастать наличием жостовских подносов.

Спрос рождает предложение, и в 1960 году была основана фабрика жостовской росписи.

Секреты мастерства

Наблюдая за долгим и кропотливым процессом, можно заметить, как мастера и по сей день соблюдают старинную технику выполнения.

  • Замалевок. Основа будущего узора. На подготовленную плоскость разведенной краской делают наброски будущего рисунка.
  • Танежка. Наносятся цветные тени полупрозрачными красками. Создается видимый объем цветов и возникают теневые участки растений.
  • Прокладка цветом. Это самый ответственный этап жостовской послойной росписи. Формируется внешний облик букета, осветляется или затемняется вся композиция, определяются важные мелкие детали.
  • Бликовка. Благодаря этому действию появляются объем и свет, хорошо передается совокупность особенностей и настроение.
  • Чертежка. Финальная часть работы над изображением. Художник вручную наносит маленькие, но значительные детали.
  • Привязка. Букет как бы распространяется под фон изделия. Тонкие стебельки и усики, вырисовываются волшебным образом в единое целое и объединяются с фоном.
  • Уборка краев подноса. Борт подноса украшают всевозможными узорами. Без этого работа будет казаться незаконченной.
  • Зеркальный блеск. При помощи мелового порошка ладонями затирают поднос до блеска, потом натирают парафином, от этого изделие блестит еще больше.

Жостовские подносы существуют много лет, но среди них нет ни одного, похожего на другой.

Особенности росписи

Фон обычно выбирается черный, в редких случаях красный, синий или зеленый. Художник разрисовывает сразу несколько подносов.

Основным направлением является цветочный букет, в котором поочередно нарисованы небольшого размера полевые цветы и крупные садовые.

Узоры рисуются разведенным в прозрачном лаке или скипидаре золотым порошком или гульфаброй – белой краской, смешанной с лаком, ее присыпают алюминиевой пудрой.

По значению подносы делят на две группы: для украшения интерьера и для бытовых целей.

Городецкая роспись

Относится к одному из русских видов росписи посуды. Городецкая роспись берет свое начало в XIX веке около города Городец в Нижнегорском Заволжье, что на левом берегу Волги. Это древний русский город-крепость. Все началось с прялок, особенностью которых были донце и гребень.

Кареты, барыни, всадники, солдаты, собаки - все это украшало донца прялок. Фигурки вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее отверстие.

Городецкая роспись формировалась 50 лет. Расписывались детские каталки, стулья, короба. Пик развития промысла пришелся на 1990 год.

Мотивы росписи

Самые распространенные элементы городецкой росписи – цветы и животные. От таких изображений веет уютом и покоем.

Расписные ложки, мебель и посуда в городецком радостном стиле освежали и оживляли интерьер.

Цветочная роспись в исполнении самая простая. Выделяют несколько типов орнамента:

  • «Букет» - наносится симметрично, присутствует в основном на блюдах или разделочных досках.
  • «Гирлянда» - по центру располагаются один или два цветка, от них во все стороны распространяются более мелкие цветики и листики. Таким узором расписывают хлебницы, блюда, шкатулки.
  • «Ромб» - вид гирлянды. По центру цветок или несколько, а листики и бутоны по мере приближения к вершинам ромба уменьшаются. И располагаются на воображаемых гранях фигуры. Такими изображениями украшали сундуки, скамейки, шкафы.
  • «Цветочная полоса» - осталась еще со времен прялок. Это повторяющийся ленточный узор из цветов одного размера, разбавленных листиками. Украшают объемные изделия.
  • «Венок» - похож на «цветочную полосу». Разница в том, что он замыкается по краям крышки или блюда.

В цветочной росписи встречаются изображения птицы и коня. Обычно они нарисованы внутри цветочной гирлянды. Элементы городецкой росписи нашли свое место и в крупных вещах: панно, санях, блюдах и шкатулках.

Изображения могут быть самые разные: лихие всадники, сценки с чаепитием, красивые птицы, симпатичные девушки с собачками, экзотические львы и барсы. Чаще всего встречается гордый конь или воинственный петух.

Способ выполнения

Техника художественной росписи отличается тем, что выполняется прямо на основе из дерева. Основа грунтуется разными цветами – ярко-синим, сочным зеленым, глубоким красным.

Кистью расписывается предмет без предварительного эскиза. Художник меняет нажим кисти: то широким мазком, то кончиком, вырисовывая очередной шедевр.

История Гжели

Один из старинных гончарных районов включает в себя около 30 деревень. Называется он Гжель. Располагается под Москвой у речки Гжелки. В этих местах обнаружены богатейшие залежи глины.

О Гжели упоминается первый раз в письменных документах, датируемых 1339 г. Это была прибыльная волость и являлась собственностью князей и царей.

В XVIII веке Гжель превратилась в российский центр изготовления майолики. Столетие спустя Гжель стала производить полуфаянс, расписанный кобальтом и покрытый прозрачной глазурью. Ближе к XX столетию гжельские мастера выполняют шедевры из тонкого фаянса и фарфора, украшая его растительно-геометрическими узорами.

Тематика рисунка

В расписной посуде Гжели отражаются события, происходящие в городской и деревенской жизни, а также природные явления. Рисунки разделяются на три основных группы:

  • Растительная. Здесь вся растительность имеет стилизованный вид с основными чертами. Можно заметить ягодки, травинки, черенки, цветы и листочки.
  • Орнаментальные узоры. Оригинальные и стилизованные рисунки, в которых просматривается ассоциация и самовыражение художника. Исполняется он орнаментальными сетками – «усики», «травинки», «капельки», «гребенки» и «жемчужины».
  • Сюжетная роспись. Это катания на санях, ярмарки и времена года.

Гжель – это целое стилистическое направление, а не только узоры. Используется в производстве керамики, при оформлении дизайна одежды и интерьера.

Вот таким чудным образом возникают, «как сказочные птицы», и разлетаются по всему земному шару гжельские шедевры. Поэтому синяя птица в гжели является маркой современной росписи.

Основные черты росписи:

  • глазурирование поверхности;
  • холодный белый фон;
  • орнамент в голубых и синих тонах;
  • сложный узор или рисунок в народном стиле;
  • только ручная работа.

Каждое изделие благодаря ручной росписи - это произведение искусства. Все рисунки неповторимы.

Художественная роспись Гжели

Техника гжель требует определенных навыков. К росписи любой вещицы мастер приступает сразу после обжига. Одна из росписей в стиле гжель называется майоликой, она расписывается «пятицветкой». На белую эмаль, которая является основой, наносился рисунок.

Цвета для росписи раньше брали из солей:

  • зеленый – соль меди;
  • желтый – соль сурьмы;
  • вишневый – марганец;
  • синий – кобальт.

Вскоре от этой техники отказались и стали выполнять рисунок кобальтово-синего цвета на белоснежной основе. Для нанесения рисунка требовалось наличие таланта, шпателя, кисти, баночки с окисью кобальта. Именно кобальт дает такой чудный оттенок синего цвета, но только после обжига расписанной посуды, а сама по себе краска черная.

Сначала расписывают изделие, затем его окунают в глазурь и помещают в печь для сушки. Последний этап обжига осуществляется при температуре 1400 градусов. Глазурь превращается в тоненькую, пропускающую свет, пленку, покрывая синий рисунок.

Благодаря атмосфере народного неакадемического искусства, чистоте и самобытности узоров синяя птица гжели удостоилась быть эмблемой гжельского фарфорового завода.

В век технологий и перемен кажется милым расписным вещам нет места, а полюбоваться ими можно только в музеях. Но по сей день в государстве Российском действуют мастерские, сохранившие давние традиции художественной росписи, и продолжают радовать глаз людей, неравнодушных к такому искусству.

Виды росписей декоративно-прикладного искусства | Консультация:

Виды росписей декоративно-прикладного искусства, используемые в детском саду

Содержание

Введение………………………………………………………………

3

Глава 1.  Петриковская роспись…………………………………….

4

Глава 2.  Дымковская роспись………………………………………

6

Глава 3.  Гжельская роспись………………………………………..

8

Глава 4.  Хохлома……………………………………………………

10

Глава 5.  Городецкая роспись……………………………………….

11

Глава 6.  Полхов-Майданская роспись……………………………..

12

Глава 7.  Опошнянские гончарные художественные изделия…….

13

Методическое обеспечение………………………………………….

16

Введение

Многие произведения народных мастеров являют собой образцы подлинного искусства, в которых форма, декор и содержание находятся в нерасторжимом единстве. Народ веками отбирал в природе совершенные формы, радостные сочетания цветов, стилизовал их и создавал новые, удивляя и радуя своей изобретательностью и вкусом. Блестящего расцвета достигло искусство всех народов нашей многонациональной советской страны. Его многообразие ярко выражено в местных национальных художественных традициях (сюжетных, композиционных, цветовых, технических), что удобнее всего проследить по росписям мастеров Хохломы, Городца, Жостова, Загорска, Семенова, Полхов-Майдана, Дымкова, Гжели, по узорам вологодского кружева и русской набойки, в орнаментах узбекской керамики и украинской малёвки и в произведениях мастеров других национальных художественных центров. Они красивы, полны оптимистического мироощущения, хорошо выражают форму и могут быть использованы в работе с детьми в целях воспитания художественного вкуса, любви к родной природе, к народу и его искусству и, конечно, для развития технических и композиционных умений и навыков.

Программа по изодеятельности в детском саду предусматривает такие задачи по декоративному рисованию: учить рисовать по мотивам русской вышивки, керамики, ковроделия, писанкарства, народных игрушек; выполнять узоры на прямоугольнике, квадрате, круге, разных плоских бумажных формах, которые имитируют предметы быта. Формировать умение ритмически размещать элементы узора по всей площади, по краям, в середине; использовать элементы узора: линии, мазки, точки, кружочки, кольца; цветные объединения присущий для вышивки и керамики. Программой предусматривается знакомство детей с такими видами декоративной росписи как: Петриковская, Дымковская, Гжель, Хохлома,  Городецкая, Полхов-Майдановская, Опошнянской керамиками.

Глава 1. Петриковская роспись

Село Петриковка в Днепропетровской области - одно из немногих, где бережно хранят традиции древних народных промыслов. Знаменитая Петриковская роспись давно стала визитной карточкой Украины. Их рисовали кистями, сделанными из кошачьей шерсти, спичками, обмотанными мягкой материей, и просто пальцами. Краски разводили на яйцах и молоке, а цвета выбирали самые яркие, под стать красочной природе Приднепровья. Хозяйки соревновались друг с другом, стремясь сделать свой дом самым живописным, и ревниво заглядывались на чужое искусство. О самых удачных росписях говорили: красиво, как в церкви. А вот если хата оставалась белой, с хозяйкой переставали здороваться, как с чужой.

Мастера Петриковской росписи используют разнообразные материалы и приспособления - самодельные кисти, пипетки, соски, ватные палочки, зубочистки, беличьи кисти и просто пальцы мастера.

Перед началом росписи надо развести краску. На палитру мастихином выкладываем небольшое количество гуаши, добавляем клей ПВА в пропорциях 2:1, размешиваем всё мастихином и, разбавляя водой, доводим до густоты сметаны. Для первых тренировочных работ достаточно развести какую-то одну краску. Кисть держится как обыкновенный карандаш, рука при этом должна опираться на стол, чтобы мазки получались ровные и точные. Основу, на которой вы рисуете, можно поворачивать в разные стороны, - так удобнее вести кисточку и выполнять правильные мазки. Получившиеся цветы и листья оформляются тоненькой кисточкой более темной краской, а маленькие желтые точки, изображающие тычинки, делаются обратной стороной кисточки.

В композициях Петриковской росписи кроме больших, крупных цветов и листьев изображаются также и мелкие элементы - это маленькие цветочки, ромашки, бутончики, ягоды. В основном для мелких элементов используют тонкую кисть №1 или кисть из кошачьей шерсти.

Небольшие композиции в виде открыток, называют “малёвками”. Выполнив все предыдущие упражнения, можно приступить к малёвкам.

Цветовое решение Петриковской росписи весьма разнообразно и поэтому всегда радует глаз. И всё же традиционным цветовым сочетанием является зелень листьев и красные оттенки цветов, а вспомогательные краски - это желтая, бордовая и оранжевая.

“Бегунками” - их так же называют “дорожками” или “фризами” - оформляют разные изделия и предметы быта, украшают декоративные панно. Во всех фризах соблюдается ритм, как в построении композиции, так и в цветовом решении.

В Петриковской росписи преобладает, конечно же, растительный орнамент, но многие мастера, кроме того, изображают ещё и насекомых (кузнечиков, бабочек) и различных птиц, как реальных, так и сказочных (петушков, сов, жар-птиц и. т. д.). Роспись выполняется на бумаге, металле, стекле, керамике и дереве (приложение 1).

Глава 2. Дымковская роспись

На низком берегу реки Вятки напротив города Кирова расположилась старинная деревянная слобода Дымково. С незапамятных времен здесь, в малоплодородной местности с суровым климатом занимались лепкой глиняных игрушек, изображавших коней, оленей, козлов, уточек, индюков, барынь, водоносок, кормилиц, всадников и пр. Этот промысел был исключительно женским делом. Осенью в лугах готовили на всю зиму красную глину, на отмелях реки - чистый песок. Смешав глину с песком и водой, тщательно месили до получения однородной массы. Из густого глиняного теста лепили сначала большие основные части игрушки и отдельно - мелкие, которые затем прилеплялись и примазывались с помощью мокрой тряпки. Вылепленная игрушка сушилась 2-4 дня при комнатной температуре и обжигалась в русской печи на горящих поленьях и железных противнях. По остывании поверхность изделия белилась мелом, разведенным на снятом молоке. К работе готовили 6-10 красок, для чего красочный порошок растирали на чугунной плите, добавляли немного воды, а перед росписью и цельное сырое яйцо, в результате чего получалась яичная темперная краска, которой и наносили яркую разноцветную роспись на белый фон игрушки. Роспись начинают с изображения чёрной краской двух прядей волос; тонкой лучинкой - «глазничкой» - наносят две точки глаз и тонкие дуги бровей, другой палочкой из луба - «пятнушечкой» - печатают рот и два красных кружочка румянца щек. Игрушка оживает. На втором этапе ровно закрашивают («мажут») желтой или красной краской головной убор и другим насыщенным цветом - кофту. На заключительном этапе свободной кистью импровизационно наносят узорочье на юбку, платье, передник, кокошник. Характер узоров глиняной дымковской игрушки определился обобщенной формой фигур, потребовавшей условных декоративных элементов: кружочков, полосок, прямых и волнистых линий, точек и штрихов, из которых складывается геометрический орнамент. Вместе с этим в дымковском узоре своеобразно запечатлелись особенности естественной окраски животных; яблоки в виде цветных кружочков, колец, точек на крупах лошадей, оленей, коров и коз. В орнаментации фигурок людей отразились тканые узоры льняной пестряди, вышивок, яркие узоры росписей дуг, саней, коромысел и пр. Широкие и узкие разноцветные полосы, проведенные всей кистью или ее острым концом, создают узорную сетку, напоминающую расцветку ткани шотландки, или намечают основу будущего узора. По этим полосам проводят мелкие прямые или волнистые линии - змейки. Иногда с обеих сторон змеек ставят тонкой палочкой цветные точки, равномерно заполняющие всю полоску. Часто сплошные цветные полосы заменяют полосками из точек и кружков, украшенных двумя-тремя короткими штрихами или двойными крестами. Применяют также в росписи сетчатый орнамент из полос и клеток, заполненных кружочками, точками и штрихами. Цветовой строй росписи определяется преобладанием теплых или холодных цветов. В первом случае яркость, например, желтых, оранжевых и красных элементов усиливается небольшими элементами - синими или зелеными. В другом случае звучание голубого, синего и зеленого цветов подчеркивается розовым, красным или оранжевым элементом. Такое тактичное включение контрастного цвета в роспись повышает ее эмоциональное воздействие на зрителя, помогает избежать цветовой пестроты, добиться гармоничного слияния всех элементов.

Простота декоративных элементов и гуашевой техники, разнообразие сочетаний ярких цветных фигур привлекают интерес детей к орнаментальному творчеству.

Глава 3. Гжельская роспись

Гжель - древнее село, расположенное в Раменском районе Московской области. Свое название, как полагают, оно получило от слов «гжель», «жечь», выражавших важную сторону огневого промысла. Здесь и в окрестных деревнях, богатых высококачественными глинами, издревле занимались созданием гончарной посуды и игрушек, которые всегда назывались гжелью. Искусство гжельских мастеров уже в XVIII в. достигло высокого расцвета. В XIX в. в Гжели работало 50 фарфорово-фаянсовых заводов и около 40 мастерских по росписи фарфора. Гжельская посуда отличается большим разнообразием форм и особенно красотой росписи, вобравшей в себя богатство форм природы и выразительность традиционного народного искусства.

Роспись наносится на поверхность обожженного изделия свободной кистью керамической краской, главным образом синим кобальтом. Широкой полосой или букетом она выделяет тулово как главную часть сосуда, более узкими лентами - края горла, дна и ручек. Узор всегда связывается с формой, подчеркивает ее особенности и целостность. Основными мотивами росписи стали травка, злаки, птицы, полевые и садовые цветы - розы, астры, гвоздики, форма которых перерабатывается и становится довольно условной, но живописной и декоративной.

Разнообразные технические приемы работы: четкие мазки лепестков и листьев темно-синего цвета или мазки с мягкими размытыми краями наносятся всей кистью обильно насыщенной краской, с разным нажимом; концом кисти наносят жилки, штриховку и прихотливо изогнутые стебельки и усики; кистью, смоченной краской с одной стороны, поворотом вокруг черенка получают «мазок с тенями», то есть разноокрашенное изображение объемного лепестка или листочка. Часто темно-синий цвет росписи обогащается блеском тонких золотых линий и штрихов, которые изображают жилки и контуры листьев и цветов. Если белую поверхность изделия целиком окрашивают кобальтом, создающим васильково-синий фон, то роспись наносят только золотом.

Расписанное изделие покрывают глазурью, которая при обжиге образует глянцевую прозрачную пленку, защищающую роспись, отчего последнюю называют подглазурной. Возможна и надглазурная многоцветная роспись.

Любовь к своему искусству, трудолюбие и талант мастеров Гжели вновь вызвали из небытия древние символы счастья и мечты о прекрасном - голубые розы и синие птицы - и одухотворили ими узоры и мир вещей человека.

Глава 4. Хохлома

Хохлома — это название большого торгового села в Заволжье, куда мастера из окрестных сел и деревень издавна привозили на продажу свои изделия и откуда расходились они не только по всей России, но и за ее пределы. Позднее и сами изделия, отправлявшиеся из села Хохлома, стали называть «Хохломой». Родиной искусства хохломы является группа деревень, расположенных в глубине некогда непроходимых лесов Заволжья, по берегам речки Узолы, впадающей в Волгу около древнего Городца. Живописная природа этого края оказала большое влияние на воспитание художественных вкусов местных мастеров. И действительно, каждое произведение мастеров хохломы проникнуто тонким чувством природы.

В хохломе сложились своеобразные разновидности орнамента – “травка”, “кудрина”,” письмо под листок”, “письмо под фон”, восходящие к двум старинным традициям или системам хохломской росписи — «верховому» и «фоновому» письму. Кратко их отличие можно определить так: «верховое письмо» — это узор, нанесенный краской на золотистую поверхность фона. При «фоновом письме» мастер, наоборот, закрывает красным или черным цветом золотой фон, оставляя золотыми силуэтные формы мотивов. На основе этих двух систем и развилось поистине неисчерпаемое богатство хохломских узоров.

Глава 5. Городецкая роспись

Городецкая роспись по дереву, традиционный художественный промысел, получивший развитие в середине 19 века в деревнях по реке Узоле в окрестностях Городца Нижегородской области.

Возникновение росписи берет начало в производстве городецких прялочных донец, инкрустированных мореным дубом и украшенных контурной резьбой. В отличие от широко распространенных прялок, вытесанных из единого деревянного монолита, городецкие прялки состояли из двух частей: донца и гребня. Донце представляло собой широкую доску, суживающуюся к головке с «копылком» пирамидальной формы, в отверстие которого вставлялась ножка гребня. Когда на прялке не работали, гребень вынимался из копылка, и донце вешалось на стену, становясь своеобразным декоративным панно.

В роспись городецкие мастера перенесли не только сюжеты, ранее используемые в инкрустации, но и обобщенную трактовку образов, подсказанную приемами резьбы. В росписи использовались яркие сочные краски — красного, желтого, зеленого, черного цветов, замешанные на жидком столярном клее. Со временем ассортимент расширился; помимо традиционных прялочных донец стали изготовлять и расписывать короба-мочесники, деревянные игрушки, мебель, даже части дома — ставни, двери, ворота.

Постепенно выработались самобытные приемы городецкой росписи, по своей многоэтапности близкие к профессиональной живописи. Первоначально производится окраска фона, которая является и грунтовкой. По цветному фону мастер делает «подмалевок», нанося крупной кистью основные цветовые пятна, после чего более тонкими кистями моделирует штрихами форму. Заканчивает роспись «разживка» белилами и черным цветом, объединяющая рисунок в одно целое. Готовый сюжет обычно заключают в графическую рамочку или обводку. В городецкой росписи существует много простейших орнаментальных мотивов — розы-купавки, бутоны, травки.

Глава 6. Полхов-Майданская роспись

Полховско-майданская роспись - один из самых молодых художественных промыслов России.                      
Свое название он получил от большого села Полховский Майдан на юге Нижегородской области. Почти в каждой семье тут занимаются изготовлением и продажей деревянных расписных игрушек. Полховско-майданская игрушка или как ее называют сами мастера "тарарушка", появилась в конце 1920-х годов. С 1960-х годов подобную игрушку стали делать жители поселка Крутец, расположенного неподалеку от села Полховский Майдан.
Игрушки вытачивают на токарных станках из липы или осины. Затем их покрывают жидким картофельным крахмалом. Далее металлическим пером и тушью по сухой поверхности рисуют ("наводят") контур будущего узора и расписывают анилиновыми красками: розовой, красной, зеленой, желтой, синей. Применяется также свободная кистевая роспись. После этого игрушки покрывают бесцветным лаком. Применяя технику "лессировок" - наложение чистых красок слоями одна на другую, и используя сочетания контрастных цветов (красный - зеленый, желтый - синий и т.п.) художники добиваются особой яркости росписи.
Основные мотивы узоров этой росписи - цветы: роза, мак, ромашка, тюльпан, шиповник. Есть и сюжетная роспись. Чаще всего это сельский пейзаж с речкой, домиками, церковью и мельницей на берегу, а также обязательной красной зарей на небе. Ассортимент игрушек-тарарушек разнообразен. Одна группа - детские игрушки: матрешки, птички-свистульки, лошадки, игрушечная посуда, грибы-копилки, балалайки, коробочки-яблоки. Другая группа изделий - традиционная русская посуда: солонки, чаши, сахарницы, "поставки" - цилиндрические сосуды для хранения сыпучих продуктов, самовары, коробочки. В большом количестве вытачивают и расписывают пасхальные яйца.

Глава 7. Опошнянские гончарные художественные изделия

Опошнянские керамические изделия - народные гончарные художественные изделия с ангобной (глиняной) подглазурной росписью, вырабатываемые артелями в г. Опошня Полтавской области, Опошня издавна славилась своими гончарными изделиями, изготовление которых развивалось там благодаря большим залежам близ нее высококачественных глин. Развитие современного промысла ведет свое начало с XIX века, когда большинство населения Опошни занималось производством своеобразных декоративных кувшинов для вина с туловом в форме баранки (куманцы) баклажек, фляг, бочонков на ножках (барилы), баранчиков, мисок и другой посуды; свистулек (глиняных игрушек) в виде фигурок животных и печных облицовочных плиток. Современные опошнянские керамические изделия сохранили жизнерадостный характер и богатое многообразие форм, среди которых наряду с традиционными национальными появился ряд новых -- вазы, декоративные блюда и т. п. Декоративность и выразительность опошнянских изделий связана с их росписью крупным растительным орнаментом, сочетающимся с несложными геометрическими мотивами, без резких ломаных линий, имеющими смягченные часто округлые очертания. Цветы очень условны по форме, на одной ветке они зачастую имеют совершенно разный рисунок, характер их близок к украинским многоцветным настенным росписям, техника исполнения придает им определенную специфичность.

Опошнянская посуда имеет довольно тонкий и гладкий красновато-желтый черенок, сравнительно небольшой вес по отношению к ее размерам, чистую отделку. Цвет черепка объясняется тем, что главной составной частью массы, из которой выполняется посуда, является светло-желтая пластичная глина, в которую для ее уплотнения и придания большей прочности черепку добавляется 25-30 % темно-коричневой глины. Хозяйственная посуда и скульптурные сосуды формуются на ножных гончарных кругах вручную (вытягиваются из комка глины), некоторые мелкие приставные части (ручки, носики, подставки) оттискиваются в гипсовых формах, а затем прикрепляются жидкой глиной - шликером. Роспись выполняется цветными ангобами (фр. Обмазка), приготовленными из местной белой глины с небольшими добавлениями в нее мела, каолина, песка и соответствующих окислов металлов, которые придают ангобу тот или иной цвет. Красный, желтый, вишневый, темно-коричневый, черный, ангобы приготовляются из местной красной и желтой глины с добавками соответствующих красителей. Роспись получается несколько рельефной, выступающей над фоном изделия, благодаря наложению большого количества густых ангобов.

Роспись на изделиях выполняют женщины, мастерство которых передается из поколения в поколение; выполненные на бумаге, однако они не сковывают творчество мастериц: никто не копирует образцов, и роспись выполняется в бесконечном множестве вариантов. Ее наносят на поверхность подсохших. Но еще не обожженных изделий, без какой-либо предварительной разметки или припороха, прямо цветным ангобом, с помощью резиновой груши, в конец которой вставлен кусочек соломы, дающий возможность получать тонкие линии. Сначала мастерица ставит изделие на гончарный круг и, медленно вращая его, наносит горизонтальные, прямые и волнистые полосы разной ширины. Затем, держа изделие на колене, она рисует контурный узор, начиная с самых крупных элементов, которые организуют всю композицию и определяют ее основные оси, направленность движения масштаб. Одновременно учитывается сочетание цветов, так как мастерица в соответствии со своей фантазией выполняет разные части рисунка ангобами разного цвета. По окончании нанесения контурного рисунка, его раскрашивают, некоторые элементы контура сплошь заполняют одним цветом, в других дается орнаментальная разделка. Крупные цветовые пятна соединяются изображением стеблей, травок, листочков, которые помогают уравновесить всю композицию, придают ей целостность и законченность. Трудность выполнения росписи заключается в том, что настоящий цвет ангоба выявляется под глазурью лишь после обжига. Мастерица, рисуя, должна мысленно представить себе, каким будет колорит готовых изделий. Особым видом украшения посуды цветными ангобами является флендровка, которая выполняется, главным образом на мисках и представляет собой узоры из сочетания горизонтальных и вертикальных линий и пятен на фоне черепка естественного цвета или ангобированного. Выполняется жидким ангобом. После росписи изделия покрываются бесцветной глазурью и обжигаются. Некоторые виды посуды не украшают росписью, а сплошь поливают цветными глазурями - коричневой (марганцевой) и зеленой (медной).

Свистульки лепят вручную и расписывают так же, как и посуду, только более мелким и простым орнаментом.

Наиболее распространенные мотивы - горох, листочки, полоски. Роспись подчеркивает условный характер фигурок. Скульптурная форма свистулек решается очень обобщенно. Сглаженная поверхность не моделируется: рога, крылья вылепливаются отдельно и прикрепляются к тулову, которое лепят вместе с ногами и головой на круглой палочке, для того, чтобы свистулька внутри оставалась полой. Круг изображаемых животных и птиц: конь, баран, козел, олень, свинья, корова, петух и т. п. Несмотря на условность формы и росписи фигурок, они очень конкретны и изображают не фантастические существа, а животных, существующих в действительности .

Методическое обеспечение.

  1. Бакушинский А.В. Художественное творчество и воспитание.- М.: Просвещение,- 1975.
  2. Василенко К. Украинские народные узоры. К.: Искусство, 1995.
  3. Горяева Н.А. Первые шаги в мире искусства-М.: Просвещение,- 1991.
  4. Григорьева Г.Г. Развитие дошкольника в изобразительной деятельности. - М.: Владос, - 2000.
  5. Донин А. Введение в искусствознание. - Н. Новгород, 1998. - 294 с.
  6. Дубинская К.Н, Маерова К.С. Украинское народное прикладное искусство. К.: Просвита,1998.
  7. Казакова Т.Г. Развитие у дошкольников творчества. Пособие для воспитателя детского сада.- М.: Просвещение, 1995.
  8. Комарова Т. Изобразительная деятельность детей в детском саду. - М., 2006.
  9. Комарова Т.С. Детское художественное творчество.- М.: Образование,- 2005.
  10. Корнилова С.,А. Галанов. Уроки изобразительного искусства для детей 5-9 лет - М.: Рольф,- 2000..
  11. Левин В.И. Воспитание Творчества-Томск: Пеленг, 1993.
  12. Мелик-Пашаев А., Ступени творчества. - М.: Просвещение,- 1987.
  13. Пантелеев Г.Н. Декоративное искусство - детям. - М.: Просвещение, 1976.
  14. Сакулина Н., Комарова Т. Изобразительная деятельность в детском саду. - М.: Просвещение, -1982.
  15. Сокольникова Н.М. Изобразительное искусство: Основы живописи. - М.: ТИТУЛ, 1996.
  16. Соломенникова О.А. Радость творчества. Ознакомление детей с народным искусством. - М.: Владос, 2005
  17. Теплов Б.М. Способности и одаренность. - М.: Образование,- 2002.
Живопись

- wikiwand,

Painting - qwe.

Для более быстрой навигации этот iframe предварительно загружает страницу википедии для Painting .

Подключено к:
{{:: readMoreArticle.title}}

Из Википедии, свободной энциклопедии

{{bottomLinkPreText}} {{bottomLinkText}} Эта страница основана на статье в Википедии, написанной участники (читать / редактировать).
Текст доступен под Лицензия CC BY-SA 4.0; могут применяться дополнительные условия.
Изображения, видео и аудио доступны по соответствующим лицензиям.
{{current.index + 1}} из {{items.length}}

Спасибо за жалобу на это видео!

Пожалуйста, помогите нам решить эту ошибку, написав нам по адресу support @ wikiwand.com
Сообщите нам, что вы сделали, что вызвало эту ошибку, какой браузер вы используете и установлены ли у вас какие-либо специальные расширения / надстройки.
Спасибо! .

Что такое краска? Из чего это сделано. Различные виды отделки

Что такое краска?

Все, что вам нужно знать о Paint

Краски - это тонкие покрытия, наносимые на поверхности в жидком виде. Краска сохнет и становится гибкой твердой массой. У них есть много применений, защита поверхности от солнечного света, сырости, пыли, истирания и атмосферных воздействий. Они обеспечивают легко очищаемые поверхности, которые помогают поддерживать чистоту и порядок. Они могут изменить интерьер, используя цвет, свет или темноту, матовые или светоотражающие поверхности, а также текстуру.

Узнайте все о краске, о том, как ее производят, для чего она используется, когда и где ее использовать

Мы недооцениваем сложность покраски, пока не зайдем в магазин красок, чтобы поработать своими руками, немного подправить здесь, изменить цвет стен там, и вскоре мы будем загружены выбором.

Какие нам нужны? Какой вид уже на стенах? Какой субстрат нужно красить, и список вопросов можно продолжить.

Это обычно, когда мы берем желтые страницы и нанимаем профессионала.В конце концов, они знают, о чем говорят ... и вы тоже.

Прочитав предоставленную информацию, вы будете хорошо разбираться в языке красок, и вам останется только выбрать цвет.

Информация о краске:

Применение - порядок, в котором окрашиваются предметы, называется системой окраски и жизненно важен в процессе окраски.

Инструменты для нанесения - кисти, валики, распылители и подушечки.

Пигменты - важный ингредиент краски.

Проблемы - распознавание или предотвращение таких неисправностей, как меление, образование пузырей, проверка, растрескивание, образование крокодилов или аллигаторов, высолы и плесень или грибок.

Добавки - важный ингредиент краски.

Масляная краска - определение краски на масляной основе. Преимущества и недостатки его использования.

Water Based - определение краски на водной основе. Преимущества и недостатки его использования.

На спиртовой основе - определение спиртовых покрытий.

Timber Stains - определение пятен древесины.

Как это делается Простое объяснение того, как производится краска.

Специальные типы: противогрибковые, огнестойкие, вспучивающиеся, рельефные, термостойкие и разноцветные финишные краски.

Эффекты мрамора - пример использования эффектов краски в большом масштабе для пола.

Эффекты декора

Типы эффектов краски

Ресурсы для отделки стен

Узнайте о цветовых схемах из видео
Clear Finishes and Paint

Clear Finishes (лак или лак) прозрачны и используются для улучшения внешнего вида подложки в результате нанесения, а также для защиты.

Они состоят из связующего, растворителя и добавок.

Состав краски аналогичен, но требует пигментов для цвета и наполнителей для непрозрачности.

Состав краски и лака

Прозрачная поверхность = связующее + растворитель + добавки
Краска = связующее + растворитель + пигмент + наполнитель

Состав

Пленкообразователь (средний, связующее, связующее)
Это жидкая форма
Связывает компоненты краски (или лака)
Влияет на уровень глянца, степень блеска пленки
Удерживает пигмент в суспензии
Придает краскам водостойкость
Обеспечивает адгезию покрытия к основанию за счет смягчения предыдущего сухого слоя

Примеры связующих:
Осушающие масла - льняное, соевое, тунговое, оливковое
Натуральные смолы (из живых или окаменелых останков) - каури, дамар, сложный эфир, лак, каучук
Синтетические смолы - алкидные, акриловые, полиуретановые, ПВА, силикон, эпоксидная смола, фенол

Дизайн и отделка интерьеров Краски и системы окраски

Как только вы узнаете, как создается краска, мы можем посмотреть, как она производится, и какие проблемы могут возникнуть при ее нанесении.

Если вам нужны советы по нанесению краски своими руками, посетите наши советы по идеальной покраске, в противном случае прочтите статьи выше и ознакомьтесь с покрытиями спиртового типа, специальными типами лакокрасочных покрытий и именами специалистов и ознакомьтесь с ними для будущего использования.

Узнайте, как он производится, просто ради интереса, а затем узнайте все о многих дефектах и ​​повреждениях поверхности, которые могут возникнуть при покраске. Уметь распознавать их и знать, как избежать их возникновения, если вы художник-самоделок.

Узнайте, какие инструменты используются для нанесения и какие специальные покрытия. Прочтите и расширите свои общие знания в области дизайна интерьера и декорирования этих систем.

Выучите имена разных типов

Названы в честь их функции (т. Е. Того, что они делают)

Грунтовки, финишные покрытия, шлифовальный герметик, шпатлевки, краска для пола, грунтовка для гальванизированного железа, шпатлевки, краска для печи, аэрозольная краска, грунтовки, краситель, грунтовка для травления, составы для ножей, герметики для краски крыши.

Названо в честь связующего или материала, использованного при изготовлении
Акрил, латексная краска / лак, латексная краска / лак ПВА, краска / лак на основе шеллака, краска / лак на спиртовой основе, эпоксидная краска / лак, полиуретан / лак, алкидная смола / Лак, тунговое масло, льняное масло, цементные краски, эмульсия, битум, хлорированный каучук.

Назван в честь пигмента, используемого при производстве.
Грунтовка с содержанием цинка или цинковой пыли, белый свинец, графит, красный свинец, LTZ - свинец, титан, цинк, алюминий, слюдянистый оксид железа (краска для крыш), грунтовка на основе свинца кальция, хромат цинка.

Названо в честь их внешнего вида.
Яичная скорлупа, Разноцветный, Матовый, Переливающаяся текстура, Атласная поверхность, Борьба с морщинами, Полуглянцевая, Светящаяся, Флуоресцентная, Глянцевая, Кракле, Плоская.

Дополнительные сведения о цвете
Популярные цветовые схемы
Бесплатный курс цветов
Цветовые статьи
Информация о цвете
Значения цвета
Цветовые схемы
Теория цвета

Нравится:

Нравится Загрузка ...

.

Simple English Wikipedia, бесплатная энциклопедия

Картина Ренуара - это произведение искусства.

Искусство - это творческая деятельность, которая выражает творческие или технические навыки. Он производит продукт, объект. Art - это разнообразная человеческая деятельность по созданию визуальных, исполнительских артефактов и выражению творческого мышления автора. Произведение искусства называется произведением искусства , чтобы другие могли его испытать. [1] [2] [3]

Некоторые предметы искусства полезны в практическом смысле, например, скульптурная глиняная чаша, которую можно использовать.Такое искусство иногда называют ремеслом .

Тех, кто занимается искусством, называют художниками. Они надеются повлиять на эмоции людей, которые это переживают. Некоторые люди находят искусство расслабляющим, захватывающим или информативным. Некоторые говорят, что люди стремятся заниматься искусством благодаря своему внутреннему творчеству.

«Искусство» - гораздо более широкий термин. Он включает рисунок, живопись, скульптуру, фотографию, перформанс, танцы, музыку, поэзию, прозу и театр.

Статуи Ботеро перед Дворцом культуры в Медельине, Коломбия Сцена из спектакля "Музыкальный Чикаго" в театре Брно.Обнаженная лежачая женщина - фотография Жана-Кристофа Дестайлера. Это изображение было размещено на Commons, а также является произведением искусства.

Искусство делится на изобразительное искусство, где что-то создается, и исполнительское искусство, где что-то делается людьми в действии. Другое разделение - между чистыми искусствами, созданными для самих себя, и практическими искусствами, созданными для практических целей, но с художественным содержанием.

  • Пластик арт.
  • Исполнительское искусство
  • Практическое искусство

Некоторые люди говорят, что искусство - это продукт или предмет, созданный с целью стимулировать человеческие чувства, а также человеческий разум, дух и душу.Произведение искусства обычно оценивается по тому, насколько оно влияет на людей, по количеству людей, которые могут иметь к нему отношение, и по тому, насколько они его ценят. Некоторые люди тоже вдохновляются.

Первое и самое широкое значение слова «искусство» означает «расположение» или «упорядочивание». В этом смысле искусство создается, когда кто-то преобразует найденные в мире предметы в новый или другой дизайн или форму; или когда кто-то расставляет цвета рядом друг с другом на картине, чтобы создать изображение или просто создать красивый или интересный дизайн.

Искусство может выражать эмоции. Художники могут испытывать определенные эмоции и желать выразить их, создав что-то, что для них что-то значит. Большая часть искусства, созданного в этом случае, создается для художника, а не для публики. Однако, если аудитория также способна соединиться с эмоцией, тогда произведение искусства может стать общественно успешным.

Здесь представлены скульптуры, наскальные рисунки и наскальные рисунки эпохи верхнего палеолита.

Все великие древние цивилизации, такие как Древний Египет, Индия, Китай, Греция, Рим и Персия, имели произведения и стили искусства.В средние века большая часть европейского искусства изображала людей из Библии на картинах, витражах и мозаичных полах и стенах.

Исламское искусство включает геометрические узоры, исламскую каллиграфию и архитектуру. В Индии и Тибете были созданы расписные скульптуры, танцы и религиозная живопись. В Китае искусство включало резьбу по нефриту, бронзу, керамику, поэзию, каллиграфию, музыку, живопись, драму и художественную литературу. Есть много китайских художественных стилей, которые обычно называют в честь правящей династии.

В Европе после Средневековья было «Возрождение», что означает «возрождение». Люди заново открыли для себя науку, а художникам разрешили рисовать предметы, отличные от религиозных. Такие люди, как Микеланджело и Леонардо да Винчи, все еще рисовали религиозные картины, но теперь они также могли рисовать и мифологические картины. Эти художники также изобрели перспективу, когда предметы на расстоянии кажутся меньше на картинке. Это было в новинку, потому что в средние века люди рисовали все фигуры крупным планом и просто накладывались друг на друга.

В конце 1800-х годов европейские художники, реагируя на современность, создали множество новых стилей живописи, таких как классицизм, романтизм, реализм и импрессионизм. История искусства двадцатого века включает экспрессионизм, фовизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм и минимализм.

В некоторых обществах люди думают, что искусство принадлежит человеку, который его создал. Они думают, что художник вложил в искусство свой «талант» и трудолюбие. С этой точки зрения искусство является собственностью художника и охраняется авторским правом.

В других обществах люди думают, что искусство никому не принадлежит. Они думают, что общество вложило свой социальный капитал в художника и его творчество. С этой точки зрения общество - это коллектив, создавший искусство через художника.

Функции искусства [изменить | изменить источник]

К функциям искусства относятся: [4]

1) Познавательная функция

Произведения искусства рассказывают нам о том, что знал автор, и о том, каково было его окружение.

2) Эстетическая функция

Произведения искусства могут делать людей счастливыми, будучи красивыми.

3) Прогностическая функция

Некоторые художники рисуют то, что они видят в будущем, и некоторые из них правы, но большинство нет ...

4) Функция воссоздания

Искусство заставляет задуматься о нем, а не о реальности; отдыхаем.

5) Функция значения

Что ценил художник? Какие цели в человеческой деятельности он любил / не любил? Обычно это хорошо видно в работах художников.

6) Дидактическая функция

Какого послания, критики или политического изменения хотел добиться художник?
  1. ↑ Различные определения в: Wilson, Simon & Lack, Jennifer 2008. Путеводитель Тейт по терминам современного искусства . Тейт Паблишинг. ISBN 978-1-85437-750-0
  2. ↑ Э. Гомбрич 1995. История искусства . Лондон: Phaidon. ISBN 978-0714832470
  3. ↑ Кляйнер, Гарднер, Мамия и Танси. 2004. Искусство сквозь века .12-е изд. 2 тома, Wadsworth. ISBN 0-534-64095-8 (том 1) и ISBN 0-534-64091-5 (том 2)
  4. Багдасарян, Надежда (2000). «7. Искусство как феномен культуры». Культурология . п. 511. ISBN 5-06-003475-5 .
Викискладе есть медиафайлы, связанные с Искусство .
.

Simple English Wikipedia, бесплатная энциклопедия

Клод Моне, Impression, Sunrise , (1872), холст, масло, Musée Marmottan

Импрессионизм - это стиль живописи, зародившийся во Франции в конце 19 века. Живопись импрессионистов показывает реалистичные предметы, написанные в широком, быстром стиле, с легко различимыми мазками и часто яркими цветами. Термин «импрессионизм» происходит от картины Клода Моне, которую он показал на выставке под названием Impression, soleil levant («Впечатление, восход солнца»).Художественный критик Луи Лерой увидел выставку и написал рецензию, в которой сказал, что все картины были просто «впечатлениями».

Художники-импрессионисты больше всего известны своей работой масляными красками на холсте. Некоторые художники-импрессионисты также писали акварели и гравюры. Также есть скульптура импрессионистов.

Коро, Итальянский пейзаж . Картины Коро оказали влияние на импрессионистов

В 19 веке большинство художников учились рисовать, посещая художественную школу или академию.Академии очень строго относились к тому, как молодые художники учились рисовать. Популярный стиль живописи получил название классицизм. Классические картины всегда делались в мастерской. Часто показывали сказки из мифологии. Художник готовился к картине, делая много рисунков. Картины были написаны очень плавно и тщательно.

В то же время было несколько художников, которые любили писать французский пейзаж и деревенских людей в реалистичной манере, отличной от классицизма.Они часто рисовали небольшие быстрые картины на открытом воздухе, а затем заканчивали их в студии. Среди этих художников - Гюстав Курбе и Жан-Батист Коро. Эдгар Дега писал в 1883 году: «Есть один мастер, Коро. Мы ничто в сравнении, ничто». [1] Группа молодых художников, которые восхищались творчеством этих художников, подружились и начали вместе рисовать. Этими художниками были Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Фредерик Базиль, Камиль Писсарро, Поль Сезанн и Арман Гийомен.

Каждый год академия в Париже проводила большую выставку (арт-шоу) под названием Salon de Paris . В 1863 году художник по имени Эдуард Мане представил картину под названием Обед на траве («Le déjeuner sur l'herbe»). Судьи Салона отказались повесить эту работу в галерее, потому что на ней изображена обнаженная женщина, сидящая на траве, с двумя мужчинами в одежде. Если бы картина была о древнегреческой мифологии, это не было бы проблемой, но эти мужчины были одеты в обычные костюмы, а платье и шляпа женщины лежали на траве.Возможно, она была проституткой! Судьи назвали картину неприличной (очень грубой). [2] Картины Моне и его друзей тоже были отвергнуты. Они были разгневаны и встретились с Мане, чтобы обсудить это. Император Наполеон III дал разрешение на проведение другой выставки под названием « Salon des Refusés », на которой были представлены все картины, от которых «отказались». Многие люди пошли посмотреть эту выставку и вскоре обнаружили, что в искусстве возникло новое «движение», совершенно отличное от того стиля, к которому они привыкли.

Мане, Обед на траве ("Le déjeuner sur l'herbe")

В 1872 году Моне и его друзья основали общество под названием «Кооперативная анонимная ассоциация художников, скульпторов и граверов» . Они начали организовывать собственное художественное шоу. В 1874 г. состоялась первая выставка 30 художников. Критик Луи Лерой высмеял их работы и написал статью под названием Выставка импрессионистов . Публика, пришедшая на выставку, также стала использовать это имя.Вскоре сами художники стали использовать имя «импрессионисты», и с тех пор их называют этим именем. В период с 1874 по 1886 год у них было восемь выставок. Они платили дилеру по имени Пол Дюран-Рюэль за организацию выставок, и он устраивал выставки в Лондоне и Нью-Йорке. Постепенно их картины становились популярными. Некоторые импрессионисты, Моне и Ренуар, дожили до старых и знаменитых, но другие умерли очень бедно. Основными художниками, которых называют «импрессионистами», являются Клод Моне, Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Берта Моризо, Арман Гийомен, Мэри Кассат, Гюстав Кайботт и Фредерик Базиль.

Многие художники недолго работали с импрессионистами, но затем начали пробовать новые идеи. Все эти художники рисовали по-разному, но вместе их называют постимпрессионистами. Среди них Жорж Сёра, Поль Сезанн, Поль Гоген, Анри де Тулуз-Лотрек и Винсент Ван Гог.

В то время как французские художники-импрессионисты работали во Франции, художники из других стран также начали рисовать на открытом воздухе в более широком стиле. В конце концов стиль импрессионизма распространился во многие страны Европы, в Северную Америку и Австралию.Некоторые художники продолжали писать в стиле импрессионизма на протяжении всего ХХ века.

Дега, Женщина умывается в спальне . Импрессионисты рисовали повседневные предметы, часто как если бы они смотрели в камеру.

Импрессионизм и фотография [изменить | изменить источник]

До импрессионистов многие художники писали портреты. До изобретения фотоаппарата рисованные портреты были основным способом запечатлеть «внешность» человека (как он выглядел).Но к тому времени, когда импрессионисты начали рисовать, было много фотографов, у которых были студии, куда люди могли пойти фотографироваться. По мере того, как камеры совершенствовались, фотографы начали делать «снимки» пейзажей и людей на улице.

Фотография оказала на художников два эффекта. Во-первых, это означало, что им было труднее жить портретами. Многие художники стали очень бедными. Во-вторых, изображение, снятое камерой, часто имеет интересные ракурсы и точки обзора, которые обычно не рисуются художниками.Художники-импрессионисты могли учиться по фотографиям. Многие картины импрессионистов заставляют зрителя чувствовать себя так, будто он находится здесь, глядя на сцену глазами художника.

Темы [изменить | изменить источник]

Художники-импрессионисты писали не своим воображением, литературой, историей или мифологией, как большинство других художников XIX века. Они рисовали то, что видели в окружающем мире: город, в котором они жили, пейзаж, в котором они отдыхали, свою семью, своих друзей, свои студии и вещи, которые были вокруг их дома.Иногда им «поручали» (давали задание) написать чей-то портрет.

Художники-импрессионисты любили рисовать «обычные» вещи, которые были частью повседневной жизни. Они изображали женщин, стирающих и гладящих, танцоров балета, делающих упражнения, лошадей, готовящихся к скачкам, и официантку со скучающим видом, обслуживающую клиентов. Никто до импрессионистов и не думал, что эти предметы достаточно интересны для рисования.

Несмотря на то, что многие художники-импрессионисты рисовали людей, о них думают в основном как о пейзажах.Художникам-импрессионистам не нравилось рисовать или быстро рисовать наброски на открытом воздухе, а затем делать грандиозные картины в студии. Художникам-импрессионистам не нравилось рисовать формы земли, зданий и деревьев. Они хотели запечатлеть свет и погоду.

Техника [изменение | изменить источник]

Художники-импрессионисты искали «технику» (способ что-то делать), чтобы писать пейзажи, показывающие свет и погоду.Свет и погода все время меняются. Свет солнца на ландшафте меняется каждую минуту по мере вращения Земли. Художники-импрессионисты смотрели на работы более ранних французских художников, таких как Камиль Коро и Гюстав Курбе. Курбе часто брал свои краски на улицу и быстро делал цветные наброски, которые затем использовал для создания больших картин в своей мастерской. Художников-импрессионистов больше интересовали эскизы, чем готовые картины.

Моне, Скалы в Поурвилле .Краски ярких цветов использовались без смешивания.

Другой художник, Эжен Буден, сидел на пляже в Довиле со своими масляными красками и быстро рисовал людей в отпуске. Иногда они покупали его картины в качестве сувениров.

Клод Моне встретил Будена и узнал, что единственный способ «запечатлеть» то, как пейзаж выглядел в определенное время, - это очень быстро рисовать маленькие картинки, не беспокоясь о смешивании красок, чтобы сделать приятные гладкие ровные цвета.Художники-импрессионисты использовали большие мазки разных ярких цветов и позволяли им смешиваться на холсте, вместо того, чтобы сначала тщательно смешивать их на палитре. Рисуя таким образом, не утруждая себя деталями, художники-импрессионисты запечатлевают реалистичное «впечатление» мира, который они видели вокруг себя.

Вот некоторые из вещей, которые они нарисовали: снег, мягко падающий на город, туман, поднимающийся над рекой в ​​розовом утреннем свете, люди, идущие через пшеничное поле с ярко-красными маками, солнечные лучи, падающие сквозь листья на людей танцы, поезд, поднимающий клубы дыма на большой железнодорожной станции, и водяные лилии, плавающие в бассейне под поникшими ивами.

Большинство пейзажей импрессионистов имеют небольшие размеры, чтобы художник мог носить их на улице. Некоторые художники, особенно Клод Моне, брали несколько полотен, и по мере того, как день шел и свет менялся, он клал один и брал другой. Он снял комнату, из которой мог видеть Руанский собор, чтобы рисовать его из окна в разное время дня. Моне также написал серию картин Стог сена , показывая их стоящими в поле под разными углами и в любую погоду, при ярком солнечном свете, утреннем морозе и снегу.Картины, написанные на открытом воздухе, называются «пленэрными». Художники-импрессионисты часто вместе выезжали в живописные поездки, поэтому есть много картин, которые можно сравнить.

Термин «импрессионизм» использовался для других форм искусства, таких как письмо и музыка. Октава Мирбо часто называют писателем-импрессионистом. В 1887 году музыкальные критики назвали произведения Клода Дебюсси импрессионистами. Позже и других композиторов называли импрессионистами, в том числе Мориса Равеля, Поля Дюка, Эрика Сати и Альберта Русселя.

Галерея картин импрессионистов [изменить | изменить источник]

Нажмите на каждое изображение, чтобы увеличить его, чтобы увидеть, как каждый художник использовал мазки и цвет.

Захват сцены [изменить | изменить источник]

  • Эжен Буден, Причал в Довиле , (1869)

  • Берта Моризо, День стирки , (1875 г.)

  • Клод Моне, Снег в Ветёй , (1879)

  • Камиль Писсарро, Молотить зерно , (около 1880 г.)

  • Пьер Огюст Ренуар, Мечеть , (1882)

Как камера [изменить | изменить источник]

  • Эдуард Мане, Эмиль Золя (1868)

  • Эдгар Дега, Урок балета , (1875)

  • Эдгар Дега, Любители абсента , (1876)

  • Берта Моризо, Колыбель

  • Пьер Огюст Ренуар, На концерте , (1874)

Люди на улице [изменить | изменить источник]

  • Клод Моне, Женщины в саду , (1867)

  • Эдуард Мане, Железнодорожный вокзал Сен-Лазар , (1872)

  • Эдуард Мане, Моне Живопись в своей лодке , (1874)

  • Пьер Огюст Ренуар, Обед на лодочной вечеринке (1881)

  • Берта Моризо, Муж и дочь художника в саду , (1883)

Смена времен года в городе [изменить | изменить источник]

  • Камиль Писсарро, Лувесьен осенью

  • Камиль Писсарро, Бульвар Монтемартр ночью (1898)

  • Альфред Сислей, Лувесьен в снегу

  • Клод Моне. Париж осенью , (1873 г.)

  • Камиль Писсарро, Париж весной

Свет на воде [изменить | изменить источник]

  • Моне, Мост в Аржантёе

  • Пьер Огюст Ренуар, Дворец дожей, Венеция , (1881)

  • Альфред Сислей, Наводнение в порту Марли , (1876 г.)

  • Камиль Писсарро, Руан в дождливый день , (1896)

  • Клод Моне, Цветущие арки, Живерни , (1913)

Хронология: Жизни импрессионистов [изменить | изменить источник]

Импрессионисты

  1. ↑ "Il y a un seul maître, Коро.Nous ne sommes rien en compareison, rien ".
  2. ↑ Хелен Гарднер, Искусство сквозь века
  • Хелен Гарднер, Искусство сквозь века , Harcourt, Brace and World, Inc. ISBN 0-15-503752-8
  • Юрген Шульце, Искусство Европы девятнадцатого века , Абрамс, (1979) ISBN 0-8109-8017-7
  • Натаниэль Харрис, Импрессионисты , Виконт Букс, (1984) ISBN 0-600-35848-8
.

Символика цветов и значений цветов во всем мире

Цвет буквально окрашивает то, как мы видим наш мир. Вот подробный взгляд на то, что различные цвета символизируют в культурах по всему миру.

Если у вас когда-либо был блюз или вы были так зол, что видели красный цвет, то вы знакомы с мощными способами, которыми цвет может описывать неосязаемые идеи и эмоции. В искусстве и антропологии цветовой символизм относится к способности цвета обозначать значение для зрителя.Хотя есть некоторые универсальные ассоциации, которые у людей обычно возникают с определенным цветом, эта символика часто укоренилась в обществе. Таким образом, значения цвета сильно различаются от культуры к культуре.

Существует ряд культурных влияний, которые влияют на восприятие определенного цвета: политические и исторические ассоциации (цвета флагов, политические партии), мифологические и религиозные ассоциации (ссылки на цвет в духовных текстах) и лингвистические ассоциации (идиомы и выражения). , назвать несколько.

Давайте исследуем.


Символизм цвета

Изображение предоставлено фотографией Дениджала.

Какого цвета Жизнь? Красный

Независимо от расы, религии или личных убеждений, всех нас объединяет одна и та же жизненная сила - кровь, которая течет через красные реки наших вен.

Какого цвета у Love? Красный или розовый

Визуально яркий красный цвет представляет собой страстную сексуальную любовь.Между тем, розовый, более мягкий оттенок, предполагает более нежную, женственную любовь.

Какого цвета Счастье? Желтый

После долгой зимы возвращения желтого солнца и последующего цветения весенних цветов достаточно, чтобы большинство людей улыбалось.

Какого цвета Надежда? Желтый или зеленый

В некоторых странах, например, в Канаде, когда любимый человек находится на войне, семьи вывешивают желтые ленты на стенах семейного дома, чтобы сохранить надежду на их безопасное возвращение.

В США и Европе зеленый цвет часто ассоциируется с надеждой из-за его связи с весной и чувством процветания.

Какого цвета Мир? Синий

Универсально ассоциируемый с морем и небом, явлением природы, хорошо известным во всем мире, синий цвет придает ощущение внутренней стабильности.

Какого цвета у Jealousy? Зеленый

Еще в 1603 году Уильям Шекспир назвал ревность «зеленоглазым чудовищем» в своей трагической пьесе « Отелло ».В наши дни на Западе распространена идиоматическая фраза «зеленый от зависти».


Красный

Изображение предоставлено Ангелатриксом.

Популярные оттенки:

  • Малиновый: сильный, яркий и глубокий, обычно сочетается с синим или фиолетовым.
  • Maroon: Темно-коричнево-красный, его название происходит от французского слова marron (каштан).
  • Киноварь: ярко-красный или алый пигмент, первоначально полученный из порошкообразной минеральной киновари.

В большинстве словарей прилагательное «красный» определяется как огонь или кровь. Красный цвет как символ тепла и сердца вызывает сильные чувства как в положительном, так и в отрицательном смысле.

Это цвет, который повсеместно считается привлекательным. Таким образом, страны по всему миру используют его для обозначения stop на светофорах и знаках остановки.

В западных культурах красный цвет также символизирует волнение и страсть, любовь и опасность. Красный одновременно силен и сексуален.Это цвет, который носит Леди в красном, архетипическая женщина, перед которой невозможно устоять, но которой нельзя доверять. Это цвет, которым женщины чаще всего красят губы или ногти. В Голливуде этот цвет раскатывают как ковер для знаменитостей, возможно, современных богов и богинь, которым поклоняются на Западе.

В Китае красный цвет символизирует счастье, удачу, удачу и процветание. Поскольку это такой благоприятный цвет, люди традиционно надевают его на большие праздники, такие как Новый год.На свадьбах невеста носит красное. Во время праздников и других особых случаев дарение включает в себя красные конверты с деньгами.

На фондовых рынках Восточной Азии красный цвет означает рост цен на акции, тогда как на рынках Северной Америки он означает падение.

Японский флаг представляет собой белый прямоугольник с малиново-красным диском в центре. Возможно, поэтому большинство японских детей часто рисуют солнце в виде большого красного круга.

Красный несет в себе несколько негативных ассоциаций на Западе - «пойман с поличным» (пойман в середине правонарушения) и «красный флаг» (относится к предупреждающему знаку).

Между тем, в Южной Африке красный цвет ассоциируется с трауром. Красная часть флага страны представляет собой кровопролитие - как с точки зрения насилия, так и с точки зрения жертв, - которое произошло во время борьбы страны за независимость.


оранжевый

Изображение предоставлено Валерием Потаповой.

Популярные оттенки:

  • Коралл: Яркий красновато-оранжевый, как у морского коралла.
  • Персик: Оранжевый светлый до бледно-желтого, по оттенку похожий на плод своего названия.
  • Лосось: Розовато-оранжевый, названный в честь цвета мякоти лосося.

Оранжевый - это цвет, который легче всего увидеть при тусклом свете. Поэтому неудивительно, что спасательные плоты, спасательные жилеты и буи окрашены в «безопасный оранжевый» оттенок. В Соединенных Штатах знаки «Объезд», а также жилеты дорожников также имеют оранжевый цвет, чтобы их было видно.

На Западе апельсин имеет тенденцию вызывать в памяти осень и урожай, меняющиеся листья и сияние свечи в вырезанной улыбке тыквы.В сочетании с черным он представляет Хэллоуин, время, когда завеса между мирами предположительно тонка. Некоторые предполагают, что цвета были выбраны для их противоположных ассоциаций: оранжевый - тепло жизни, а черный - тьма смерти.

Изображение предоставлено sarayut_sy.

В западном мире апельсин ассоциируется с легкомыслием и весельем. Клоуны часто носят оранжевые парики. На мифологических картинах традиционно изображен Вакх - бог виноделия, плодородия, ритуального безумия и религиозного экстаза - в оранжевых одеждах.

В Юго-Восточной Азии (а именно в Лаосе, Таиланде, Камбодже и Мьянме) буддийские монахи традиции Тхеравады носят одежды шафранового цвета. Монахи выбрали этот оттенок много веков назад в основном из-за красок, доступных в то время, но традиция сохранилась и по сей день. Итак, эти страны теперь ассоциируют священное и святое с оранжевым цветом.

В Нидерландах есть явление под названием Oranjegekte (помешательство на апельсинах), которое происходит во время крупных спортивных мероприятий, Гран-при Формулы-1 и ежегодного праздника, посвященного дню рождения короля.Когда помешательство на апельсинах овладевает голландцами, они носят оранжевую одежду и украшают оранжевым свои автомобили, дома, магазины и улицы. Это началось как способ прославления голландской королевской семьи - Дома Оранских-Нассау.


Желтый

Изображение предоставлено irin-k.

Популярные оттенки:

  • Канарейка: ярко-желтая, напоминает оперение канарейки.
  • Золото: Ярко-желтый, иногда металлический цвет, ассоциируется с богатством.
  • Лимонный шифон: Очень светло-желтый, как у лимонно-шифонового пирога.

Хотите привлечь внимание зрителя? Желтый - это наиболее заметный цвет в спектре и первый цвет, который замечает человеческий глаз. Желто-охристый пигмент появился тысячи лет назад, поэтому он был одним из первых цветов в произведениях искусства. Например, в пещере Ласко во Франции есть изображение желтой лошади, которому 17000 лет.

Изображение предоставлено Bliss_w.

Между тем, опросы в США, Канаде и Европе показали, что люди склонны ассоциировать желтый цвет с мягкостью и непосредственностью, но также с жадностью и двуличием.В США это тоже ассоциируется с трусостью. Некоторые считают, что фраза «желтобрюхие» как термин для трусливых людей, возможно, изначально возникла из-за ассоциации с поведением курицы, животного, которое легко пугается и в страхе убегает. Насыщенный желтый цвет куриного яичного желтка, возможно, и стал причиной этого красочного названия.

В Китае желтый имеет сильные исторические и культурные ассоциации. Первого императора звали Желтый Император. После династии Сун, закончившейся в 1279 году, только императору разрешалось носить ярко-желтое.Высоких гостей Китая наградили желтым ковром. Однако в современной китайской поп-культуре «желтый фильм» относится к фильмам для взрослых.

Желтый - это священный цвет в Полинезии, который считается цветом божественной сущности. На местных языках слово, обозначающее желтый, совпадает с названием растения curcuma longa, которое считается пищей богов.

В христианских преданиях желтый и золотой часто используются как синонимы. Считается, что цвет символизирует веру и божественную славу, а золотые нимбы украшают святых на религиозных картинах.


зеленый

Изображение предоставлено Кристин Глэйд.

Популярные оттенки:

  • Лесной зеленый: Яркий желтовато-зеленый, напоминает деревья и растения в лесу.
  • Лайм: Яркий желто-зеленый, названный в честь цитрусовых.
  • Olive: Темный, землистый, приглушенный оттенок.

Опросы показали, что в Северной и Южной Америке, Европе и исламских странах зеленый цвет чаще всего ассоциируется с природой, весной и хорошим здоровьем.И наоборот, Соединенные Штаты и Европейский Союз иногда связывают это с плохим здоровьем. Поговорка «зеленый цвет вокруг жабр» относится к тому, кто выглядит больным. Хотя происхождение фразы утеряно, скорее всего, это связано с обесцвечиванием кожи при тошноте.

Зеленый означает «вперед». Мы видим это на светофорах и даже в киноиндустрии Голливуда, где термин «зеленый свет» означает, что творческий проект получил добро. Мы также видим это в иммиграционном процессе в США.«Зеленая карта» - это то, что иммигранты получают, когда у них есть разрешение на постоянное пребывание в стране.

Изображение предоставлено Яном Мико.

Ирландия широко известна как Изумрудный остров, потому что ее сельская местность очень зеленая из-за обильных дождей. Американский кантри-певец Джонни Кэш даже написал песню о пышных пейзажах Ирландии под названием «Сорок оттенков зеленого». В ирландском и английском фольклоре зеленый цвет часто ассоциируется с волшебными существами. Например, ирландский гном обычно изображается в зеленом костюме.Легенда гласит, что лепреконы ущемляют тех, кто одет в зеленое, в День Святого Патрика, ирландский праздник, посвященный их главному святому покровителю.

Традиционный цвет ислама, зеленый, в Коране ассоциируется с раем. В этом священном тексте говорится, что райские люди носят зеленое и сидят на зеленых подушках. Зеленый также считается любимым цветом Пророка Мухаммеда и цветом, в котором он был похоронен.


Синий

Изображение предоставлено Kira_Yan.

Популярные оттенки:

  • Церулеан: диапазон цветов, включающий бирюзовый, небесно-голубой, лазурный и темно-голубой. Название происходит от латинского слова caeruleum, что означает «небо» или «небеса».
  • Индиго: Глубокий насыщенный синий, близкий к синему оттенку на цветовом круге, назван в честь древнего красителя.
  • Барвинок: Очень светлый пурпурно-голубой, назван в честь цветка.

В то время как большинство цветов вызывают в воображении материальные ценности (красная роза, апельсиновый фрукт, желтый лимон или зеленая трава), синий чаще напоминает море и небо, а также мечтательное пространство, где встречаются эти два.Синий выходит за рамки культурных границ и во всем мире считается цветом спокойствия. Нас успокаивает то, как мы сидим на песке и наблюдаем, как нежные волны омывают берег, успокаивает. Это также причина, по которой интерьер большинства самолетов синий, чтобы успокоить взволнованных пассажиров. Возможно, это также причина, по которой Организация Объединенных Наций (межправительственная организация, которая стремится поддерживать международный мир) выбрала голубой цвет в качестве цвета своего флага.

Изображение предоставлено Shyamalamuralinath.

Синий имеет важное религиозное значение во всем мире.В Древнем Египте синий цвет ассоциировался с божественностью и небом. Амун, главное божество Египетской Империи (также известный как Царь Богов), окрашивал свою кожу в синий цвет, чтобы летать (невидимо) по небу. Между тем, в индуизме боги, такие как Вишну, Кришна и Шива, изображаются с синей кожей. Когда дело доходит до католицизма века, Римско-католическая церковь настаивала, чтобы художники раскрашивали Деву Марию новым, самым дорогим пигментом, привезенным из Азии: ультрамарином.Таким образом, цвет стал ассоциироваться со святостью и добродетелью.

Назар - это бусина из синего стекла, также известная как Дурной Глаз. Его происхождение восходит к древнему Египту, где считалось, что глаз бога Осириса обладал защитной силой. Теперь его носят как защитный талисман, призванный отразить зло и принести удачу в ряде стран, включая Турцию, Грецию, Пакистан и Иран.


фиолетовый

Изображение предоставлено Ангелатриксом.

Популярные оттенки:

  • Лаванда: бледный, светло-голубовато-фиолетовый, часто ассоциируется с мягкостью и женственностью.
  • Сиреневый: бледно-фиолетовый, содержащий серый и синий, названный в честь цветка мальвы.
  • Слива: Темно-коричневатая или красновато-пурпурная, названа в честь плода.

В Европе и Соединенных Штатах фиолетовый чаще всего ассоциируется с магией и тайной, королевской властью и религиозной верой. В наши дни это все еще связано с богатством, потому что когда-то было чрезвычайно дорого производить фиолетовую ткань. Для производства всего одного грамма тирского пурпура потребовалось девять тысяч маленьких моллюсков. Оттенок получил свое название от финикийского торгового города Тир, где он впервые был произведен, и единственного города в мире, где он существовал.Цвет вскоре был связан с имперскими классами Рима, Египта и Персии, поскольку только богатые и могущественные могли себе это позволить. Поскольку этих древних правителей часто считали богами, фиолетовый также стал считаться священным оттенком.

Изображение предоставлено mario confente.

Смешивание основных цветов красного и синего дает фиолетовый. Таким образом, цвет вызывает чувство двусмысленности или открытость для более чем одной интерпретации. Цвет также часто связан с бисексуальностью, в значительной степени из-за флага гордости бисексуалов, который сочетает в себе розовый (представитель гомосексуализма) и синий (предполагающий гетеросексуальность).Соединенные Штаты рассматривают штат, в равной степени сбалансированный между республиканцами (ассоциируемыми с красным) и демократами (ассоциированными с синим), как «пурпурный штат».

Во многих культурах фиолетовый - это цвет смерти или траура. Тайские вдовы носят фиолетовый цвет, как и набожные католики в Бразилии. В Италии фиолетовый также ассоциируется с похоронами. Поэтому итальянцы считают, что упаковка подарка в пурпурную бумагу - плохой вкус, а невесты избегают цвета при планировании своего знаменательного дня. Даже носить фиолетовый цвет в итальянской опере считается неудачей.


Белый

Изображение с adike.

Популярные оттенки:

  • Крем: белый с примесью желтого, назван в честь молочного продукта, производимого коровами.
  • Яичная скорлупа: Бледно-желтовато-белый с небольшим блеском или без него.
  • Слоновая кость: Белый с очень легким желтым оттенком, названный в честь материала, из которого состоят клыки и зубы животных.

Самый светлый цвет, белый олицетворяет совершенство и чистоту, новизну и нейтралитет на Западе.Несмотря на отсутствие оттенка, белый цвет играет яркую роль в религиях по всему миру. Представляя начало, в христианстве дети носят белое, когда крестятся и впервые причащаются. Папа (глава Римско-католической церкви) с 1566 года носит белое, что символизирует жертвоприношение. Мусульманские паломники носят ихрам, простую белую одежду, призванную показать, что перед Богом все равны.

Изображение предоставлено Владленом Абдуллиным.

Бедуины (арабоязычные кочевники пустынь Ближнего Востока) ассоциируют белый цвет с молоком.Поскольку верблюжье молоко является основным продуктом питания для людей, очень питательно, полезно для костей и укрепляет иммунную систему, вполне логично, что белый цвет считается цветом благодарности, плодородия и радости.

Многие знакомы с западной традицией невест в белых платьях. Некоторые считают, что это восходит к более чем 2000 годам римской республики, когда невесты носили белые туники, символизирующие их целомудрие. Современная тенденция вошла в моду благодаря королеве Виктории, которая в 1840 году предпочла носить белое кружевное платье вместо коронационных мантий королевской традиции.

Однако не всякая ассоциация с белым доставляет удовольствие. Во многих культурах это цвет смерти, призраков и фантомов. Как сказано в английской поговорке «бледный, как призрак», цвет связан с бледностью смерти. Белый цвет также олицетворял смерть в Древнем Египте из-за цвета безжизненной пустыни, которая покрывала большую часть земли.


Черный

Изображение предоставлено Саймоном Ригглсвортом.

Популярные оттенки:
Ebony: Очень темный черный, родственный темному дереву, которое происходит от дерева хурмы.
Jet Black: Глянцевый, глубокий темно-черный цвет, относится к геологическому материалу «гагат».
Соболь: Темно-коричнево-черный, родственный меху одноименного маленького животного.

Самый темный цвет, черный, является результатом отсутствия или полного поглощения видимого света. Европа и Северная Америка часто ассоциируют его с трауром, магией, злом, элегантностью и смертью.

Многие религии по всему миру верят, что мир был создан из первозданной тьмы.Христианское богословие утверждает, что черный был цветом Вселенной до того, как Бог создал свет. Он также называет Дьявола «князем тьмы». Кали (индуистская богиня времени, перемен и смерти) изображается с черной или темно-синей кожей. Ее санскритское имя переводится на английский как «Черная» или «Та, которая есть смерть». В Индии черный также является цветом защиты от зла. Иногда под подбородком или за ушами человека рисуют черную точку, чтобы защитить от сглаза.

Японцы ассоциируют черный цвет с тайной, со всем сверхъестественным, неизвестным и невидимым, включая смерть. В 10 и 11 веках считалось, что ношение черного цвета может принести несчастье, поэтому только ренегаты или те, кто отказался от материального имущества, осмеливались носить это цвет в суде. Это также часто рассматривается как цвет опыта, как видно из черного пояса по боевым искусствам, самого высокого ранга, которого можно достичь.

Изображение предоставлено kridsada kamsombat.

Китай связывает черный цвет с водой, зимой, холодом и направлением на север. Когда первый император Китая Цинь Ши Хуан захватил власть, он изменил императорский цвет с красного на черный, заявив, что черный гаснет красный (позже цвет был изменен еще в 206 году до нашей эры).

В то время как многие ассоциируют черный цвет со смертью, древние египтяне положительно ассоциировали черный цвет с жизнью из-за богатой черной почвы, которая затопила Нил. Это был также цвет бога Анубиса (правителя подземного мира), который принял форму черного шакала и предлагал мертвым защиту от зла.


С такими разными культурными ассоциациями цвета во всем мире, важно иметь базовое понимание этих значений при взаимодействии с людьми из другой культуры. Зная символизм, вы сможете говорить со своей аудиторией так, чтобы это было приемлемо с культурной точки зрения и было эффективным.


Изображение на обложке - Дмитрий Зимин.

Откройте для себя новые способы дизайна с использованием цвета:

.

IELTS Speaking Test Part 2: Describe A Piece of Art You Like

IELTS Speaking Test ЧАСТЬ 2 Пример вопроса и ответа

, Джейн Лоусон, DailyStep.com

Вопрос: Опишите понравившееся произведение искусства. Вы должны сказать:

  • что такое произведение искусства
  • когда вы впервые увидели
  • что вы о нем знаете
  • и объясните, почему он вам нравится.

Ответ: Одно из моих любимых произведений искусства называется The Fighting Temeraire , работы художника по имени Тернер. Это акварельная картина большого старинного линкора «Темерайр», буксируемого на закате обратно в гавань со всеми опущенными парусами, чтобы буксир мог буксировать его.

Честно говоря, я не могу вспомнить , когда я впервые увидел эту картину , потому что это одна из самых известных картин в Британии, так что я, вероятно, видел ее изображение в книге. Я видел оригинальную картину только один раз, в Национальной галерее в Лондоне, где я был немного удивлен, обнаружив, что она была намного меньше, чем я ожидал.

Хотел бы я знать больше об этой картине правда. Я думаю, что было написано в , 1830-х годах или около . Насколько мне известно, , на этом снимке показан корабль, совершающий последнее путешествие после того, как он потерпел крушение во время битвы.

В этой картине мне нравится то, что художник Тернер использует оттисков и света. На картине почти нет линий , так что все как бы дымка, даже береговая линия между водой и песчаным берегом реки.Я слышал, что стиль Тернера оказал большое влияние на французских художников-импрессионистов, таких как Моне.

Еще одна вещь, которая мне нравится в этой картине, - это закат. Тернер и другие художники в то время часто рисовали очень драматические закаты , и теперь считается, что небо, которое они могли видеть, действительно было таким драматичным, потому что незадолго до этого в Индонезии извергался огромный вулкан и облако пепла от вулкана, которое распространение по всему миру сделало бы закаты и небо более красочными, а атмосферу - более туманной.Это все равно, что увидеть период в истории естествознания глазами художника.

Этот образец ответа занял около 2 минут, что является максимальным временем, в течение которого вам нужно говорить без остановки во второй части экзамена по устной речи IELTS. А теперь попробуйте сами и, если возможно, запишите свой ответ, чтобы вы могли его прослушать.

** Внизу страницы есть БЕСПЛАТНЫЙ PDF-файл этого урока. Если вы являетесь подписчиком DailyStep, вы также можете скачать этот аудиофайл там.**

.

Смотрите также